04/10 - Velvet Goldmine (Todd Haynes)

Neste Sábado dia 04/10 às 19:30h
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

Ficha Técnica
Título Original: Velvet Goldmine
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 123 minutos
Ano de Lançamento (Inglaterra): 1998
Estúdio: Channel Four Films / Miramax Films / Killer Films Distribuição: Miramax Films / Filmes da Mostra
Direção: Todd Haynes
Roteiro: Todd Haynes, baseado em estória de Todd Haynes e James Lyons
Produção: Christine Vachon
Música: Carter Burwell e Radiohead
Direção de Fotografia: Maryse Alberti
Desenho de Produção: Christopher Hobbs
Direção de Arte: Andrew Munro
Figurino: Sandy Powell
Edição: James Lyons


Elenco Jonathan Rhys-Meyers (Brian Slade)
Ewan McGregor (Curt Wild)
Christian Bale (Arthur Stuart)
Toni Collette (Mandy Slade)
Eddie Izzard (Jerry Devine)
Emily Woof (Shannon)
Michael Feast (Cecil)
Janet McTeer (Narradora - voz)
Luke Morgan Oliver (Oscar Wilde - 8 anos)
Osheen Jones (Jack Fairy - 7 anos)
Micko Westmoreland (Jack Fairy)
Don Fellows (Lou)
Ganiat Kasumu (Mary)
Ray Shel (Murray)
Alastair Cumming (Tommy Stone)


Sinopse Em 1971, o glam rock invade o mundo da música britânica, provocando uma verdadeira revolução, não apenas na música mas também nos costumes da sociedade. O ícone do movimento é Brian Slade (Jonathan Rhys-Meyers), roqueiro que leva garotas e rapazes a pintarem as unhas, usarem batom e explorarem sua sexualidade. Incapaz de lidar com a fama adquirida, Brian forja sua própria morte, com a farsa sendo descoberta logo depois. Anos mais tarde, um jornalista inglês (Christian Bale) começa a investigar seu desaparecimento. ==================================================================

Consegue me ouvir Major Tom?

Vander Colombo

“When you growing up in a small town

Bad skin, bad eyes, gay and fatty

People look at you funny”

Lou Reed

“Tudo o que reluz é gay” dizem em certo ponto as manchetes nos jornais em Velvet Goldmine de Todd Haynes. É preciso dizer em primeiro lugar que o filme tenta traçar o percurso do abalo causado pelo chamado Glam Rock, leia-se: David Bowie (Ziggy Stardust and The Spiders From Mars), Iggy Pop (The Stooges), Lou Reed (Velvet Underground), Brian Ferry (Roxy Music) entre outros. Aliás Bowie seria a personagem principal do filme não fosse o fato de ele não ter gostado nada da história e nem mesmo ter liberado os direitos de uso de suas músicas para o filme, Reed, Pop e Ferry seguiram o caminho inverso.

Apesar dos nomes terem sidos quase todos trocados, é mais do que óbvio a caracterização de Jonhatan Rhys-Meyers como Bowie, e Ewan McGregor como uma mistura de Iggy Pop com Lou Reed pendendo visualmente mais para o primeiro.

O estudo de época do filme de Haynes beira a perfeição, seja na direção de arte seja na discussão social de uma época que transformou sexualidade em objeto de consumo desde então. “Hoje eles são gays assim como na década passada a moda era ter um disco do Led Zeppelin em baixo do braço” diz um músico numa fase mockumentário dentro do filme, completado pelo personagem de McGregor, “eles se dizem gays, mas não podem transar como gays, tentam, mas não conseguem”.

O fator da época nem mesmo era a homossexualidade em si, mas a libertação sexual em sua totalidade, uma espécie de upgrade do que já havia feito os hippies anos antes. A bissexualidade ou o termo mais tarde cunhado como pan-sexualidade seria mais indicado para a busca da época (uma coisa tipo, “Ei baby, vá dar uma volta no lado selvagem”), não que isso fosse novidade, porém se intensificou junto com a maior praga do rock n’ roll atemporal, o marketing.

Tirando isso, a busca é a mesma do rock desde quando nasceu: o sexo. Seja ele como for. E nesse ponto o Glam Rock é a fase mais erótica e fascinante desde a primeira rebolada de Elvis. E as drogas. É lógico, tinham as drogas para completar a tríade, agora já mais garantidas como matéria-prima de canções desde que Velvet Underground compôs letras sobre heroína enquanto os Beatles ainda faziam baladas românticas (o que mudou após Revolver como todos sabem) ajudando a nascer o movimento punk.

Dentro da trajetória da trama do filme, nos dias atuais, um jornalista britânico (Christhian Bale) é incumbido de descobrir o paradeiro de astro do Glam que desaparecera após forjar a própria morte, dentro da investigação jornalística a lá Cidadão Kane, os flash-backs nos jogam direto a uma jornada de movimentos de sexualidade desde Oscar Wilde até a era dos Mods Dândis, revelando não só a arte como a hipocrisia do jogo de compra-e-venda de modismos em forma de bonecos e souvenires de seus artistas preferidos.

Hipocrisia mais viva do que nunca, seja no representa a MTV, seja de Britney Spears a t.A.t.u. e é justamente esse o gosto amargo que o filme deixa transparecer ao seu final. O comercialismo continua firme, porém sem um pingo da genialidade que já teve. Numa transmissão radiofônica repleta de chios, veementemente ignorada no local, toca baixinho 2 H.B. do Roxy Music como que querendo um contato de evocação de seu monstros sagrados para que levantem voltando ao underground fazer aquele tipo de barulho que todos esperam que seja feito. Imagem não é nada...

Controle Terrestre para Major Tom

Controle Terrestre para Major Tom

Pegue suas pílulas de proteínas e coloque seu capacete

Controle Terrestre para Major Tom

Começando contagem regressiva e motores ligados

Checar ignição e que Deus esteja com você

Esse é o Controle Terrestre para Major Tom

Você realmente teve sucesso

E os jornais querem saber que tipo de camisetas que você usa

Agora é hora de sair da cápsula

Se você tiver coragem

Aqui é Major Tom para Controle Terrestre

Estou dando um passo pra fora da porta

E estou flutuando no jeito mais peculiar

E as estrelas parecem muito diferentes hoje

Daqui

Estou sentado num pedaço de lata

Bem acima do mundo

A Terra é azul

e não há nada que eu possa fazer

Porém eu ultrapassei cem mil milhas

Estou me sentindo bem calmo

E eu acho que minha nave espacial sabe onde ir

Diga pra minha mulher que eu a amo muito

Ela sabe

Controle Terrestre para Major Tom

Seu circuito pifou

Há algo errado

Consegue me ouvir Major Tom?

Consegue me ouvir Major Tom?

Consegue me ouvir Major Tom?

Consegue me...

Aqui estou eu flutuando em volta de pedaço de lata

Bem acima da lua

A Terra é azul...

e não há nada que eu possa fazer[1]

O filme Velvet Goldmine será exibido neste sábado dia 04/10 no SESC Cineclube Silenzio.

A entrada é gratuita.

---

[1] Space Oddity (David Bowie)

Neste sábado dia 27/09 às 19:30h
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

Título Original: Festen / Celebration

Gênero: Drama

Origem/Ano: DIN/1998

Duração: 105 min

Direção: Thomas Vinterberg

Elenco:

Ulrich Thomsen... Henning Moritzen... Thomas Bo Larsen... Paprika Steen... Birthe Neumann... Trine Dyrholm... Helle Dolleris... Therese Glahn... Klaus Bondam... Bjarne Henriksen... Gbatokai Dakinah... Lasse Lunderskov... Lars Brygmann... Lene Laub Oksen... Linda Laursen...

Christian Klingenfeldt Faderen Michael Helene Moderen / Mother Pia Mette Michelle Toastmasteren Kokken / Cook Gbatokai Onklen / Uncle Receptionisten Søsteren / Sister Birthe

Sinopse: Durante o aniversário de 60 anos do patriarca dos Klingenfelt é organizada uma grande festa para seus parentes num hotel de luxo. Um grande escândalo se anuncia em pleno banquete, quando seu filho mais velho resolve acusá-lo de abuso sexual na infância.

20/09 - O Homem Elefante (David Lynch)

Neste sábado dia 20/09 às 19:30
No SESC Cineclube Silenzio
Entrada Gratuita

Uma assustadora aberração de circo, John Merrick (John Hurt - Hellboy, Dogville, Harry Potter e a Pedra Filosofal) é rotineiramente humilhado por seu mestre Bytes (Freddie Jones - Firefox, Duna, Erik o Viking). Mas Frederick Treeves, um famoso cirurgião (Anthony Hopkins - Alexandre, A Máscara do Zorro, O Silêncio dos Inocentes), fica fascinado por aquele personagem grotesco e o leva para o hospital em que trabalha. Fora daquele ambiente hostil, o médico vai descobrir que, a despeito de sua aparência incomum, Merrick é um ser humano sensível, inteligente e gentil.

O diretor David Lynch (Duna, Veludo Azul, A Estrada Perdida) usa a história verdadeira da vida de John Merrick para explorar o profundo desespero de uma alma que inspira fascinação e ao mesmo tempo repulsa. Um filme poderoso, merecedor do status de obra de arte, vencedor de muitos prêmios, incluindo indicações para 8 Oscar®.

Gênero	Drama
Atores	Anthony Hopkins, John Hurt, Anne Bancroft, John Gielgud, Wendy Hiller, Freddie Jones, Michael Elphick, Hannah Gordon, Helen Ryan, John Standing,
Direção	David Lynch,
Idioma	Inglês,
Legendas	Português
Ano de produção	1980
País de produção	Estados Unidos, Inglaterra,
Duração	124 min.

Para ler o texto de Laysmara, acesse os comentários

13/09 - Izo (Takashi Miike)

Neste sábado dia 13/09 às 19:30
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

IZO de Takashi Miike
“Amor é uma palavra; uma palavra não é necessariamente acompanhada com a natureza fundamental de seu significado”.

Bernardo Krivochein (Rio)

Coitada da violência, um sentimento absolutamente natural para os seres vivos, mas demonizada em absoluto pela filosofia deixa-disso da sociedade conformista mela-cueca. Arnaldo Jabor já havia escrito um ensaio brilhante sobre o verdadeiro significado do “Basta!” que estampava os lençóis dependurados nas janelas da classe média carioca, oprimida pela violência urbana, mas só até onde ela a atinge, veja só. Coitada da violência porque ela é o que é, existe exatamente para causar o rebú que causa, mas é rejeitada, excluída, tida como algo a ser eliminado.

Pois o samurai em “Izo” é exatamente isso: a personificação não só da violência, mas de tudo aquilo inaceitável e revoltante numa sociedade. Em cima desse personagem principal, o diretor mais prolífico da atualidade, Takashi Miike (tão produtivo que fica difícil até para os fãs se manterem atualizados com sua filmografia), se joga com a cara e a coragem, faz seu filme mais arriscado e pessoal, entrando em sua nova fase enquanto artista.

Eu sei que vivo falando do sujeito, uma introdução – com todo respeito – ao diretor é tão dispensável quanto é repetitiva, mas no caso particular de “Izo”, faz-se necessária (sem contar que eu quero e está acabado). Miike ganhou adoração (e náusea) mundial enfiando o pé na proverbial jaca cinematográfica, transformando-se no grande nome da Hyperviolence (se você exige tradução do termo... na boa, amigo: se mata). Entre jatos de sangue arterial, Miike se mostrava um exímio contador de histórias inusitadas através de ângulos idem, com a agilidade de um moleque de 5 anos com açúcar União até os cornos. Seja em “Fudoh”, no primeiro “Dead or Alive ou no elogio à miscigenação de “The City of Lost Souls” (... o filme tem um protagonista brasileiro e metade dos diálogos em português! Nunca ter sido lançado comercialmente aqui é um ultraje, sem contar que vale só pela hilária cena de briga de galo), Miike era um diretor rebelde, inconseqüente, bêbado e absolutamente fascinante. Mas, assim como acontece com qualquer um, Miike teve que crescer. Sua puberdade diretorial apareceria no completo descaso à continuidade narrativa do segundo episódio de “Dead or Alive” (por sinal, o melhor) e na realização de duas das suas obras mais importantes, “Ichi the Killer” (que um amigo chama de “O Poderoso Chefão vai à um clube S&M”) e “O Teste Final”, onde já ensaiava suas alfinetadas à sociedade japonesa, mas ainda de maneira descontraída.

Tendo que pôr comida na mesa, Miike também ensaiava seus passinhos num cinema mais comercial, como é o caso de “Zebraman” e “One missed call”, sendo até bem sucedido no campo, mas ao custo de uma assinatura mais forte. Deve ser aí que algum fusível queimou. “Gozu”, onde o diretor abandona voluntariamente o que lhe restava de aceitável comercialmente, seria uma tentativa um tanto forçada de se estabelecer enquanto autor, filme um tanto laborioso e indeciso para seu próprio azar que dividiu seus seguidores, mas foi ignorado por completo quando exibido em Cannes (uma frustração que o diretor fez questão de fazer pública no site do filme). Eu, por exemplo, não gostei – e não gosto ainda - de “Gozu”, mas não me sinto mal por isso (e por fazer pública também o quanto “Gozu” me decepcionou), pois a rejeição à “Gozu” gerou “Izo”, a mais nova obra-prima de Takashi Miike, um filme forte o bastante para figurar junto a todas as outras e que se destaca pela sua singularidade.

Desde o começo, “Izo” mostra a que veio: utilizando imagens de arquivo e originais, Miike coloca em paralelo o nascimento e morte do personagem principal (interpretado brilhantemente pelo artista plástico Kazuya Nakayama). Ao juntar as duas pontas da passagem do personagem pelo planeta, o diretor as iguala e segue adiante para igualar geração e destruição, prazer e dor, a beleza e o horror, tudo isso numa inesquecível seqüência de montagem de imagens reaproveitadas. No momento que o personagem já viveu e já morreu, resta apenas sua essência que, por convenção, é um conceito etéreo que não conhece limites. Se, como Einstein afirmou, o tempo não existe, resta a Izo mostrar a que veio através das épocas. E isso tudo acontece antes do título do filme.

Porque, se você quer saber, o filme não tem história. Superficialmente, Izo seria um samurai da época feudal (de que outra época poderia ser) com o poder de viajar no tempo, pois precisa assassinar os governantes que, por acaso, só existirão no futuro (“Highlander” japonês? Nem tanto). Assim, por onde passa, Izo deixa um rastro de picadinho humano. Mas o filme não pode e não quer ser entendido dessa maneira. Miike não deixa. “Izo” é a ilustração de uma tese de Miike, além de um mergulho de cabeça no subconsciente perturbado do diretor que obviamente estava lidando com sentimentos de angústia e deslocamento. Onde quer que passe, e qualquer seja a época em que esteja, Izo é constantemente perseguido por ser apenas aquilo que ele é. Izo não escolheu ser um “Magic Bullet” humano, ele nasceu assim. O conturbado estado de espírito do personagem é pontuado pelas performances de canções, digamos, folk-góticas na voz trovejante do cantor japonês Tomokawa Kazuki (maltrata esse violão, Kazuki!). Minhas suspeitas de que o filme traz consigo a tal frustração de ser desconsiderado num dos maiores festivais de cinema do mundo fica claro quando Izo surge dentro de um julgamento e acaba sendo condenado.

“Izo” não é para ser assistido como um filme convencional. “Izo” é, mais do que nenhum filme jamais foi, a reprodução fiel de um sonho intenso, até os mínimos detalhes estéticos, reproduzidos com uma sensibilidade assustadora. Vamos para o prático: uma vez eu sonhei que estava numa sala de embarque de um aeroporto que, mesmo que fosse o interior de uma das 57 escolas onde estudei, eu sabia que era um aeroporto. Enfim, ao tentar embarcar no avião (como é que cheguei lá fora?...), a aeromoça disse que eu não poderia embarcar, já que eu não tinha um biquíni amarelo (estou dispensando a psicanálise desse detalhe), o que dentro do sonho fez o mais completo sentido. Desci da escada de embarque, fui para o hangar, onde havia a passagem para um shopping qualquer (na realidade, era o Barra Shopping, ou se parecia com tal). Só sei que quando cheguei, o sonho mudou de prioridade, da qual não me lembro no momento e acabou esqueci como.

Essa é o fator de entretenimento a ser encontrado em “Izo”: deitar o filme no divã e analisá-lo, suas simbologias, seus significados. A lógica, no filme de Miike, foi afugentada pela janela; é a conexão de idéias e de possíveis sentidos (embora pouca coisa seja ambígua de fato) que segura nossa atenção e, nesse quesito, o filme é altamente participativo com a platéia. E mesmo quem não está muito afim de sair para brincar, pode se divertir com o delicioso fio subconsciente da narrativa, onde o personagem sai de um frame de 1865 e cai no presente (ou futuro, se você interpretar dessa forma), só para de lá, encontrar uma passagem para o além e parar na Guerra de Onin. Um momento clássico de sonho se encontra quando Izo mergulha num lago, afunda e acaba saindo pela superfície de outro lago, no lado oposto do mundo, caindo diretamente num casamento, filmado de cabeça para baixo. Tanto esse despojamento quanto a quantidade de sangue cenográfico derramado nos remetem a Alejandro Jodorowsky e seu faroeste cult “El Topo”.

A higienização da arte com o intuito de se ganhar mais lucro, uma vez que mais branda a censura, maior o público a ser atingido, já sacrificou muita gente bamba e, sendo o diretor que é, Miike é uma das vítimas mais óbvias. É na arte que a violência humana pode ser melhor “desabafada” – se alguém é influenciado por aquilo que vê, a culpa não seria da imbecilidade de quem viu? (ao contrário do que a cultura litigiosa quer nos convencer?) – e agora querem destruir o parquinho onde ela podia dar suas corridinhas. Somando seu protesto a sua descontração com a unidade narrativa, Miike resolve exorcizar muitos de seus dissabores, botando o samurai para executar yuppies, criancinhas fofas, esses pobres coitados dos espectadores incautos, políticos (MUITOS políticos – os vilões, aliás, só se preocupam com Izo pela má influência que ele causaria em seus “financiadores”), além de uma infinda declaração de truísmos por quase todos os personagens, o que é imediatamente associável com os últimos filmes de Godard (o que já é outra discussão). A crítica a auto-indulgência, ao cinismo das gerações atuais e especialmente ao “politicamente correto” encontra-se altamente explícita na cena da escola, onde Miike põe crianças de 8 anos dizendo coisas como: “Amor é uma palavra; uma palavra não é necessariamente acompanhada com a natureza fundamental de seu significado”, e meu preferido “Nação é um delírio maléfico só existente nas mentes humanas; uma noção imaginária de falsidade que existe apenas para controlar e governar pessoas que instintivamente se aglomeram em bandos.” Nada sutil, mas nossa época hipócrita não consegue mais arcar com lá muita sutileza. Se o cerne da obra mantém-se aberto à interpretação, o mesmo não se pode dizer às posições pessoais do diretor.

O filme tem sua faceta política facilmente reconhecível, uma vez que cada vez que a violência contra Izo acaba gerando ainda mais violência vinda de Izo (e não é necessário nenhum gênio para traduzir isso para os nossos tempos e situação mundial), um ciclo infinito de guerra (Miike inclusive põe o personagem correndo pelas curvas de um símbolo gigante de infinito, como se ilustrando no quadro-negro para aquele aluno que não entende de maneira nenhuma o problema), mas sinto que o incômodo do filme é principalmente existencialista. O que o filme tem de Nietzche e o lado negativo do existencialismo não é brincadeira. Talvez Miike seja um psicopata em potencial, mas auto-diagnosticado, encontrou no cinema onde trabalhar essa sua faceta socialmente inaceitável, mas artisticamente louvável. Talvez ele tema pelo futuro de todos quando a violência cênica for eliminada. Tudo o que Izo quer é reconhecimento divino, assim como todos que reconhecem Izo sabem que a solução é simplesmente não ficar no caminho dele.

É claro que o filme é para poucos, que é necessário um bocado de sais minerais para a sessão de mais de duas horas de um filme, no mínimo, experimental. Mas só um pouquinho de disposição e boa vontade (além de uma porção de cautela) servem de chave para a descoberta de um filme, sinceramente, foda até dar coice. É uma das obras mais reflexivas, inconformadas e puramente bizarras já produzidas no cinema, vão demorar décadas até que “Izo” seja descoberto e analisado como merece. Takashi Miike entra na idade adulta. Longa vida a Takashi Miike.

(coisa esquisita, acabei de perceber que esqueci como o filme termina)

"“Izo” Japão, 2004. 128 mins. Direção: Takashi Miike. Estrelando: Kazuya Nakayama, Takeshi Kitano, Renji Ishibashi, Kenichi Endo, Ken Ogata.

06 e 07/09 - FUGU 2

FUGU 2

Esperamos todos lá. Terá Halley Hoop, Marquinho Trumpete & Trio, Valter Mazzo, vários artistas plásticos, Leandra Vagliatti, Maho, a estréia do curta Lili Marlene e muitas outras atrações.