Novo SESC Cineclube Silenzio
Cascavel-PR
Criado com a intenção de difundir o cinema-arte, a partir da projeção de filmes nunca lançados no Brasil e daqueles que foram esquecidos por aqui.
Filmes Todos os Sábados às 19:30hrs
SESC Cascavel:
Rua Carlos de Carvalho, 3367 CEP: 85801-130. E-mail: cineclubesilenzio@gmail.com Fone: (45) 3225-3828
Neste sábado dia 01/09 no SESC Cineclube Silenzio.
às 19:30hrs. Entrada Gratuita
Do comportamento dos personagens aos ambientes em que vivem e se deslocam, da deformidade e incompletude que marcam o rosto (a moça no palco do teatro), parte do corpo (o homem, ao lado de uma janela, com o corpo aparentemente queimado) e o corpo por inteiro (o filho de Henry e Mary), da forma como a câmera posiciona-se sobre o mundo e o modo como este mundo turvo, deslocado e particular se mostra em imagens, Eraserhead (1977, de David Lynch) não é apenas o filme de estréia do seu realizador. A cada seqüência e plano, onde a realidade se torna menos objeto do pensamento e mais um dado da visão, o mundo da câmera de David Lynch parece, permanentemente, em experimentação. Se, portanto, tem diretores que posicionam a câmera sobre o mundo, buscando, com isso, captar o tempo e o espaço que, naturalmente, o definem, o modo lynchiano prefere, antes de tudo, construir o seu próprio mundo, com sua estrutura temporal e espacial particular. Assim, não é da poética lynchiana apenas reproduzir o movimento de uma dada realidade em imagem, mas criar outros movimentos, realidades e imagens e, por extensão, outro mundo.
É, por assim dizer, diante de outro mundo fundado na imaginação de um autor, de outra realidade explorada por uma máquina de ilusão e sonho e de outra imagem moldada por um dispositivo ficcional poderoso, com seus personagens e ambientes peculiares, que senti Eraserhead no decorrer da projeção. Um mundo diferente do nosso, é verdade, mas ainda assim parte do mundo em que vivemos, reconhecível, por sua vez, no mundo no qual trafegamos e constitutivo dos nossos pesadelos, medos e angustias. Por isso mesmo, distante, mas, simultaneamente, nosso por sua proximidade, recusado e, ao mesmo tempo, ligado a nós pelas semelhanças que encerram. Diante de um filme com imagens paradoxais, talvez pelos objetos que nos causam uma certa estranheza apesar de serem parte, umbilicalmente, do nosso corpo, a experiência é de natureza, eminentemente, sensorial. Sobretudo porque, ao buscar o seu próprio universo, as matizes banhadas em luz e sombra dos seus ambientes e objetos e uma atmosfera, excessivamente, nervosa, a câmera de David Lynch precisava ter certeza do mundo que suas lentes criavam para nos dar a certeza do que sentíamos.
Quando, no início do filme, Henry (Jack Nance) se desloca por uma ambientação, aparentemente, marcada pelo abandono, sentimos a frieza e a atmosfera desoladora de sua arquitetura, com seus cômodos tomados por camadas mais escuras do que claras no acender e apagar de luzes. Talvez porque as locações por onde passa sejam pesadas e de natureza prisional, principalmente por sua fantasmagoria. Por isso, o espaço do primeiro trabalho de David Lynch aparenta a inexistência de estruturas humanas, tanto as que possibilitam o convívio entre os indivíduos quanto as que permitem sua sobrevivência. No entanto, apesar de traçado como mundo de fábricas, suas locações nos remetem sempre a um mundo desabitado. Assim, afora Henry, aquele é um lugar que parece não ter ninguém, sendo que, somente aos poucos, é que ele começa a ser povoado, primeiramente, pela família de Mary (sua namorada, em seguida mulher e mãe do seu “filho”) e sua família exótica. Entretanto, mesmo quando aparecem outros personagens além do núcleo familiar, David Lynch trabalha sempre a impressão do espaço em decadência, desabitado e último.
Neste espaço que, automaticamente, marca o outro mundo (específico e em esboço) da câmera lynchiana, o resultado é o filme-experimento - não, especificamente, no sentido estético, mas do cinema como laboratório. Portanto, em Eraserhead, o diretor americano David Lynch transforma seu filme numa experiência laboratorial, onde são acompanhadas certas instâncias do humano (como que em gestação ou, decadentemente, marcadas pela posteridade). Assim, ao inventar um mundo com seus personagens e espaços próprios, o modo lynchiano se aproxima, talvez, das preocupações características do primeiro trabalho: criar e, em seguida, observar como as partículas se movimentam. Daí porque, o tempo todo, a câmera está em posição de observação, colocando-nos, a cada cena, num estado ótico diante do universo de Henry, do seu comportamento e personalidade bastante bizarra. De modo que, quando David Lynch escolhe o núcleo familiar e seus entes para desenvolver sua experiência, o que se torna caro as suas lentes é, antes de tudo, a forma como lhe damos com a diferença mesmo que esta, umbilicalmente, seja parte e resultado do nosso corpo.
O diretor escolhido de nossa sessão especial de sábado dia 25/08 foi Woody Allen.
O SESC Cineclube Silenzio está comemorando seu primeiro semestre de existência e se o tempo ajudar sábado, teremos uma sessão ao ar livre abrindo com música ao vivo.
No sábado faremos uma última votação com três filmes do Woody Allen para que um seja escolhido e exibido.
Os três filmes são:
SONHOS DE UM SEDUTOR
(Play it Again, Sam) 1972
81 minutos
Allan Felix (Woody Allen), um crítico de cinema que consome filmes ansiosamente e idolatra "Casablanca", é abandonado por Nancy Felix (Susan Anspach), sua mulher, que quer o divórcio pois não agüenta mais a insegurança emocional dele. Incapaz de lidar com este momento conturbado da sua vida, Allan busca consolo nos filmes que ama enquanto imagina Humphrey Bogart (Jerry Lacy) lhe dando conselhos de como Allan deve lidar com as mulheres, sendo que estes conselhos são desprovidos de qualquer sutileza. Paralelamente, um casal de amigos, Dick Christie (Tony Roberts) e Linda Christie (Diane Keaton), tentam ajudar Allan lhe arrumando encontros com outras mulheres, mas todos resultam em total fracasso em virtude da insegurança e nervosismo de Allan. Finalmente Allan percebe que tem passado mais tempo com Linda do que com qualquer outra mulher e sente-se atraído por ela, pois é a única mulher que ele se sente realmente à vontade. Linda se mostra receptiva às investidas de Allan, pois Dick tem trabalhado tanto que ela se sente abandonada. Mas Allan carrega um sentimento de culpa, por estar amando a mulher de seu amigo.
BANANAS
(idem) 1971
82 minutos
Fielding Mellish (Woody Allen), um testador de produtos de uma grande firma, é apaixonado por Nancy (Louise Lasser), uma ativista política. Ele assiste manifestações e tenta provar da sua maneira que é merecedor do amor dela, mas Nancy quer alguém com maior potencial de liderança. Então Fielding vai para San Marcos, uma republiqueta na América Central, e lá se une aos rebeldes e, no final das contas, se torna o presidente do país. Durante uma viagem Fielding reencontra Nancy novamente e ela se apaixona por ele, agora que é um líder político.
NOIVO NEURÓTICO, NOIVA NERVOSA
(Annie Hall) 1977
94 minutos
Alvy Singer (Woody Allen), um humorista judeu e divorciado que faz análise há quinze anos, acaba se apaixonando por Annie Hall (Diane Keaton), uma cantora em início de carreira com uma cabeça um pouco complicada. Em um curto espaço de tempo eles estão morando juntos, mas depois de um certo período crises conjugais começam a se fazer sentir entre os dois.
Participe no sábado e leve o pessoal para ajudar na votação
(Le Charme Discret de la Burgeoisie, Itália/Espanha/França, 1972)
Direção: Luis Buñuel
Elenco: Fernando Rey, Paul Frankeur, Delphine Seirig, Jean Pierre Cassel
Duração: 100 min
Mistura de situações reais da história com os sonhos e devaneios dos personagens. O filme se passa numa tarde onde alguns amigos se encontram para jantar. Crítica às situações e a hipocrisia da vida social burguesa.
O Discreto Charme da Burguesia é uma sátira surrealista do diretor Luis Buñuel construída sobre uma narrativa que mistura as situações reais da história com os sonhos e devaneios dos personagens. O filme se passa numa tarde onde alguns amigos se encontram para jantar. Uma crítica à classe privilegiada, satirizando as situações e a hipocrisia nos encontros sociais da burguesia. Foi aclamado pela opinião pública e mostra toda a supremacia e técnica de Buñuel como um dos maiores artistas, experimentalistas e satíricos diretores do cinema. Vencedor do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, em 1972.
Neste sábado, dia 11/08 no SESC Cineclube Silenzio, 19:30hrs
Logo no começo de Fahrenheit 451, os créditos de abertura estão lá, mas não os lemos. Um narrador nos informa a ficha completa da equipe, atores, técnicos, diretor, sob imagens coloridas de diversas antenas de tevê espalhadas pelos telhados da cidade. Ali já sabemos que Truffaut quer colar a experiência de seu filme àquela mesma vivida no universo interior da narrativa, e se os personagens deste mundo futurista não podem ter acesso a qualquer tipo de material escrito, também o filme não o terá. Mais do que uma esperteza do diretor (o que não seria uma exceção, pois várias delas estão espalhadas por aqui), esta seqüência de créditos dará o tom da aproximação pretendida a essa história, na época já “mundialmente famosa” através do best-seller de Ray Bradbury. Interessa aqui menos uma fidelização ao relato original, onde acompanhamos o tormento de um agente da repressão que se vê envolvido com o próprio objeto que deveria combater, e mais a captura desta certa atmosfera atormentada que o trajeto do personagem criaria em torno de si. Não é à toa que este mesmo trajeto sofrerá uma alteração fundamental na relação entre livro e adaptação cinematográfica. Se com Bradbury já estaremos desde o começo instalados na perturbação de Guy Montag, ainda sem muitas razões mas claramente apontando para uma grande revolução pessoal (a primeira frase diz “Queimar livros era um prazer”, com o verbo no passado), Truffaut irá apresentar seu protagonista como um legítimo soldado do regime, obediente aos mandos de seu capitão, referindo-se a si mesmo na terceira pessoa, cumprindo o dever de queimar livros com o prazer atualizado pelo tempo presente. Contra a narrativa vertical, o arco: uma transformação percebida pelo filme, de homem cego pela lei equivocada a defensor da causa literária, Fahrenheit 451, dantesco, vai do inferno ao paraíso, quer o elogio da iluminação.
Aquilo que Truffaut percebera como um clima repressor será integralmente absorvido pelo tecido do filme, e a operação conseqüente àqueles créditos iniciais falados será a filiação de Fahrenheit a um gênero clássico, ao suspense. A influência de Alfred Hitchcock é decisiva, e estamos aqui no início da relação pessoal que desembocaria na grande entrevista-livro lançada algum tempo depois, mas nem era preciso tanto. A trilha sonora ostensiva de Bernard Hermann, o modo de encenar seqüências banais como se por trás de cada uma houvesse a chave para o mistério da trama, até mesmo algumas citações literais, tudo está lá para anunciar esta grande influência, e também deixar evidente o quão difícil ela torna a vida do influenciado. Como repetiria dois anos depois na tentativa mais declarada de aproximação com o mestre, em A Noiva Estava de Preto, Truffaut se atrapalha incrivelmente nas cenas de alguma ação, e se em 1968 transformaria a crueldade de Jeanne Moureau ao empurrar um amante sacada abaixo em um momento quase-cômico, aqui torna o ataque vingativo de Oskar Werner contra seu chefe em um exercício de como não se decupar uma rajada de lança-chamas.
E como nesses detalhes de realização, todo o filme estará envolvido por uma série de primarismos; o peso do gênero, afeito a regras e esquemas restritos, será eventualmente grande demais para que qualquer tentativa de respiração própria possa ter algum efeito. Há um paradoxo fundamental no livro de Bradbury que passa ao largo de Truffaut. Contando uma história onde a literatura é perseguida e destruída por sua possibilidade de informação e elevação intelectual, a própria existência do livro no qual esta história aparece já é, por si, uma espécie de resistência, uma afronta a esse regime imaginário e tão assustadoramente possível, uma defesa tácita e eficientíssima daquilo que a trajetória de Montag pretende significar. Em Fahrenheit 451, o filme, somos lembrados o tempo inteiro da grande importância que os livros têm na história da humanidade, num exercício de tautologia pedagógica que beira a histeria.
Diagnosticar o futuro com males que estão na pauta do presente é uma constante na maior parte dos filmes que se arriscam na previsão. Mesmo o Alphaville, do parceiro de geração Jean-Luc Godard, realizado um ano antes de Fahrenheit, sofre desta valorização desmedida de suas próprias profecias sobre o mundo. Mas lá, antes do conteúdo alarmista, da bandeira agitada, estava na linha de frente a própria impossibilidade de uma mise-en-scène do futuro que não se impusesse os problemas do presente (diante de uma longa cena de conflito entre Eddie Constantine e Anna Karina num quarto de hotel, o que parece estar em questão não é o pesar da confirmação destrutiva deste mundo pós-apocalíptico, mas sim se este mesmo pendor para o cataclismo impedirá também a existência de planos-seqüência tão nervosos quanto aquele). Truffaut, ao contrário, é vítima da mensagem. Não perde a piada de ver o Capitão Beatty dizer, com consternação, que todos os livros precisam mesmo ser queimados, até mesmo aqueles que os servem tão bem, como o Minha Luta de Adolf Hitler que segura com uma das mãos nesse momento, porque é importante não deixar em suspenso que todos aqueles bombeiros empertigados são nazistas de primeira classe. Tudo acaba sendo, no fim das contas, uma questão de repertório.
FAHRENHEIT 451
François Truffaut, (Inglaterra/França) 1966
Oskar Werner (Guy Montag)
Julie Christie (Linda / Clarisse)
Cyril Cusack (Capitão)
Anton Diffring (Fabian)
Anna Palk (Jackie)
Ann Bell (Doris)
Caroline Hunt (Helen)
Jeremy Spenser
Bee Duffell
Alex Scott
Michael Balfour
Cor, Língua : Inglês, Legendas em Português 112 minutos
Afogando em Números (Drowning by Numbers) uma das obras-primas do genial diretor bretão Peter Greenaway
É no SESC Cascavel às 19:30hrs (às 19 horas haverá uma apresentação teatral em cima de textos de Nelson Rodrigues)
A ENTRADA É GRÁTIS
Sinopse: Três mulheres com o mesmo nome, Cissie (Joan Plowright, Juliet Stevenson, Joely Richardson), tem mais do que isso em comum, planejam afogamentos. A garantia para os crimes não virem à tona é dada por um amigo apaixonado por elas: ele declara que os afogamentos foram acidentes. Esse amigo e seu filho são obcecados por jogos de todos os tipos, que são jogados durante o filme. Um jogo também é feito com o espectador: de um a cem, descobrem-se os números, às vezes, dissimulados nos diálogos, outras vezes em lugares diferentes da cenografia. O cineasta leva o espectador a percorrer a tela como se percorre um quadro, a encontrar os números e, assim, desenhar a trama dos afogados.
Diretor:
Peter Greenaway Atores:
Joan Plowright, Juliet Stevenson, Joely Richardson, Bernard Hill, Jason Edwards Gênero:
Experimental/Arte País de Origem:
Reino Unido, Holanda Ano de Produção:
1988
O famigerado Cannibal Holocaust é o próximo filme exibido pelo SESC Cineclube Silenzio. Dia 28/07 às 19:30hrs. ENTRADA GRÁTIS
Desaconselhável para menores de 18 anos.
Há uns quatro anos atrás, você, assim como eu, foi assistir a um filme de terror “no-budget” que estava estourando nas bilheterias do mundo inteiro e se tornou uma febre mesmo, já que sumiu com a mesma velocidade que surgiu. Você, assim como eu, achou muito bem bolada a trama do filme, aquela dos três jovens estudantes de Cinema que se perdem numa floresta e alguns meses depois, são encontradas as câmeras que eles usaram para gravar os últimos dias de suas vidas. E você, assim como eu, achou mais bem bolado ainda o golpe de marketing dos cineastas, que venderam o filme na Internet como um fato real. E você, que quer ser diretor e roteirista, assim como eu, ficou frustrado por não ter tido essa mesma idéia antes.
E quem disse que isso é um problema, já que existe uma ferramenta chamada “plágio”, que vira e mexe aparece sendo usada por aí; aliás, “A Bruxa de Blair” é um plágio, plágio desse “Canibal Holocausto” que começo (realmente) a escrever agora.
Sessão Maldita no CineSesc, são meia-noite. Eu e o Bruno (aqui do Plano a Plano) já tínhamos assistido a “Santa Sangre” (Alejandro Jodorowsky) e estávamos esperando o início de “Canibal Holocausto”, quando o curador da mostra, Carlos Reichenbach (um sujeito que eu nunca imaginei que pudesse ser tão engraçado), fez a seguinte advertência: se alguém tivesse estômago fraco ou fosse membro da Sociedade Protetora dos Animais, que, por favor, saísse da sala antes da exibição. E eu, aqui, estou de prova: ele tinha razão.
Assassinatos, mutilações humanas (a última faz o mais macho dos machos gemer de aflição), estupros, atentados violentíssimos ao pudor, matança de animais... parece que estou escrevendo sobre a guerra em Serra Leoa.
Tudo isso faz parte do material recuperado de cinco documentaristas que sumiram na Floresta Amazônica enquanto filmavam as tribos canibais que ali viviam. Parênteses: nosso Ministério do Turismo agradece a Ruggero Deodato, o cineasta do filme (e tinha gente reclamando dos Simpsons). E agora, as curiosidades: os efeitos especiais são tão realistas que o diretor teve de provar em juízo que toda a carnificina era falsa; o diretor apresentou os atores em um programa de televisão para provar que eles não haviam sido mesmo devorados; vários animais foram realmente mortos durante as filmagens, sendo que a seqüência da tartaruga é a mais impressionante (fonte: Internet Movie Database).
É um filme de difícil classificação, já que “bom” ou “ruim” são termos que não consigo empregar nesse caso. Mas, acho que é um filme extremamente curioso e obrigatório para cinéfilos e estudantes de Cinema.
O grande empecilho de “Canibal Holocausto” é seu o difícil acesso. Assistimos a uma versão estrangeira em DVD, da videoteca do Carlos Reichenbach, e até onde sei, o filme nunca foi distribuído no mercado de vídeo brasileiro e acho difícil que ele venha a ser exibido por um canal de televisão (aberto ou fechado).
CURIOSIDADES
- Os efeitos especiais no filme eram tão realistas que o diretor Ruggero Deodato teve que provar que era maquiagem e sangue falsos.
- Os animais no filme eram reais, o que resultou o filme ser proibido em seu vários países.
- Esse filme é um dos dez mais violentos e grosseiros de todos os tempos no Japão.
- O filme causou alguns escândalos na Itália naquele tempo e teve problemas com a censura. Havia um boato que os atores realmente morreram, assim o diretor Ruggero Deodato teve que mostrar os atores com ele no set de uma mostra Italiana na tevê a fim de provar que não tinham sido comidos vivos.
- Deodato se inspirou para fazer o filme após ter visto seu filho assistir um violento noticiário na tevê, e pensou sobre como os jornalistas focalizam a violência.
Neste sábado, dia 21/07
às 19:30 horas
No SESC Cascavel Entrada Gratuita
Título Original: O Bandido da Luz Vermelha
Gênero: Drama
Origem/Ano: BRA/1968
Duração: 92 min
Direção: Rogério Sganzerla
Elenco:
Paulo Villaça
Helena Ignês
Luiz Linhares
Pagano Sobrinho
Roberto Luna
José Marinho
Ezequiel Neves
Sérgio Mamberti
Renato Consorte
Maria Carolina Whitaker
Paula Ramos
Sérgio Hingst
Lenoir Bittencourt
lolah Brah
Carlos Faraht
Luís Alberto
Antônio Lima
Miriam Mehler
Ozualdo Candeias
Júlio Calasso
Maurice Capovilla
Neville D'Almeida
Armando Barreto
Carlos Reichenbach
José Alberto Reis
Renata Souza Dantas
Ítala Nandi
Sônia Braga
Maurice Segall
Júlio Grimberg
Inadequado para menores de 12 anos
Sinopse: Misterioso assaltante de residências luxuosas em São Paulo, chamado pela imprensa de O Bandido da Luz Vermelha, traz sempre uma lanterna vermelha e conversa longamente com suas vítimas. Apesar dos esforços da polícia, o bandido continua a circular sem problemas. Quando ele chegava, os valentes iam dormir mais cedo e as mulheres mais tarde.
Clássico do Cinema Marginal, esta obra pode ser considerada como ponto de transição entre a estética do Cinema Novo e a ruptura marginal. Realizado na Boca do Lixo, este filme ainda conserva traços da produção cinema-novista que gira em torno da representação alegórica do Brasil e de sua história. Porém, a forte presença do universo urbano, da sociedade de consumo e do lixo industrial gerado por essa sociedade, marca uma nítida diferença. O abandono da ética do Cinema Novo e o aproveitamento, a partir daí, do cafona, acentuando a degradação dos personagens, vão igualmente nesta direção. Na representação do Brasil, o universo do político é explorado para aumentar o grotesco distante de uma visão global do social. "O Bandido da Luz Vemelha" é inteiramente elaborado, inclusive em sua forma narrativa, a partir dos restos da produção industrial da cultura de massas. A ausência de formas narrativas populares, como motivo para a fragmentação da linguagem, permite a adequação da narrativa da obra ao universo do lixo urbano da sociedade de consumo. O Brasil que emerge dos fragmentos desse filme já é um país completamente distinto daquele que surge nas alegorias cinema-novistas.
Com: Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umberto P. Quintavalle, Aldo Valletti (dobrado p/ Marco Bellochio), Caterina Boratto, Elsa De Giorgi, Hélène Surgère Sonia Saviange, Giuliana Melis, Faridah Malik, Sergio Fascetti, Antonio Orlando
Os Senhores coordenam a operação de recolha das vítimas; jovens de ambos os sexos na flor da idade, que serão levados para a mansão onde hão-de decorrer as orgias, subordinadas a ciclos dantescos. Antinferno, Esperma, Merda, Sangue. Os ciclos da vida, e do sexo associado à alegria, são expressamente rejeitados por Pasolini, que assim compõe um filme em ruptura com ele próprio. Um filme sobre ciclos também, mas desta feita sobre ciclos de morte.
Transpondo «Os 120 Dias de Sodoma», do Marquês de Sade, para os últimos dias da ditadura fascista italiana, «Salò» não podia deixar de ser um filme violento, atroz, repulsivo. Porque é do que trata Pasolini na sua obra final; o fascismo. Violento. Atroz. Repulsivo. O sexo é agora um castigo; uma introdução às torturas finais, de que são merecedores todos aqueles que mereceram uma referência no livrinho de apontamentos dos detentores do poder.
O fascismo é explorado em todas as vertentes possíveis. O espaço fechado da mansão, a lei escrita - e reescrita - a bel-prazer pelos Senhores, o domínio absoluto sobre o "povo", a exigência total da conformidade dos comportamentos aos desejos dos dominadores, a censura, a denúncia e o colaboracionismo. Quanto à censura, não deixa de ser curioso - e por outro lado, algo óbvio - que a forma com que Pasolini fez revestir o filme tenha despertado tais ódios e perseguições, de pessoas que quiseram proibir exibições e até destruir negativos. Ainda hoje «Salò» está banido em alguns países.
Um dos terrores menos gráficos, é a nossa incapacidade de resistência à opressão e ao terror do domínio total do regime, que nos leva a ceder e a tornar-nos parte. A fuga ao pesadelo passa pela denúncia do vizinho, que é reconhecida e estimulada pelos Senhores. A sequência das denúncias no filme leva o espectador ao riso, e, no entanto, será das sequências menos caricaturais. É a partir daqui que se escolhem os eleitos, aqueles que serão levados para «Salò». Os que olharam o abismo e a quem o abismo devolveu o olhar.
No fundo, as atrozes orgias, poderiam não passar de um concurso, cujo prémio são "umas férias dos sonhos", em algum lugar, ligeiramente mais atroz daqueles que o regime nos oferece, mas em que ainda podemos rejeitar a participação. Simplesmente, as humilhações que se sofrem e as coisas que se comem, não são a troco da sobrevivência, mas de 15 ou 20 contos e de um reconhecimento público.
Extremamente desaconselhável para menores de 18 anos.
Contém cenas de:
Nudez total (masculina, feminina, adolescente, infantil);
Sexo;
Violência extrema;
Masturbação;
Ereção;
Blasfêmia;
Tortura;
Sadismo;
Barbarismo;
Sodomia;
Crueldade;
Homossexualismo;
Coprofagia e coprofilia;
Degradação e Humilhação;
"Um filme que jamais devia ter sido feito, mas foi ... e acabou por ser a sentença de morte de seu idealizador"
A versão original do fantástico suspense de George Sluizer é o próximo filme do SESC Cineclube Silenzio. A sessão é neste sábado: 07/07 às 19:30hrs no SESC Cascavel-PR
A entrada é GRÁTIS.
Sinopse: Um casal de namorados, Rex e Saskia, discute durante uma viagem. Após uma parada em um posto de gasolina ela some misteriosamente. Rex inicia uma busca desesperada pela namorada e tempos depois uma pista aparece e ele se envolve em uma trama sinistra.
Lembramos que dia 23/06 o SESC estará promovendo a mostra 15 de Teatro no Gilberto Mayer em Cascavel, em decorrência disso, não haverá sessão do Cineclube.
Mas no dia 30/06 voltaremos com o documentário Terráqueos (Eathlings) de Shaun Monson.
Após o filme faremos um debate sobre o assunto. E principalmente em cima da questão de Cascavel começar a produzir carne de Vitela.
EARTHLINGS (Terráqueos) é um documentário sobre a absoluta dependência da humanidade em animais (para companhia, comida, roupa, entretenimento, e pesquisa científica) mas também demonstra nosso completo desrespeito por estes chamados "provedores não-humanos".
O filme é narrado pelo indicado ao Oscar Joaquin Phoenix (GLADIADOR) e apresenta música pelo artista de platina renomado pela crítica Moby.
Em 2005 ganhou 3 prêmios em 3 festivais diferentes Boston, San Diego e Artivist.
Com um estudo profundo em pet shops, fábricas de filhotes e abrigos de animais, como também em fazendas industriais, o comércio de couro e de peles, as indústrias de esportes e entretenimento, e finalmente a profissão médica e científica, EARTHLINGS usa câmeras escondidas e imagens nunca antes vistas para demonstrar as práticas cotidianas de algumas das maiores indústrias do mundo, todas as quais dependem totalmente em animais para o lucro. Poderoso, informativo e provocador, EARTHLINGS é de longe o documentário mais compreensível já produzido na correlação entre a natureza, animais, e os interestes econômicos humanos. Existem muitos filmes valiosos de direitos dos animais, mas este transcende o cenário. EARTHLINGS grita para ser visto.
Às vezes, as pessoas acabam esquecendo da realidade, que na vida real, nem tudo é perfeito ou bonito, pode parecer um inicio de texto clichê, mas é o melhor modo de começar a falar sobre Terráqueos.
Filme que no mínimo deveria ser visto ao menos uma vez por cada ser humano quevive neste planeta. Terráqueos é um choque...É um tiro na cabeça...literalmente...modifica você.
Os humanos em seu geral, classificam-se como seres superiores e poderosos, com tantos direitos e ideiais, mas acabam esquecendo de um outro lado. Um lado que tambem tem vida, sente dor, fome, frio...Etc.
Terráqueos mostra CLARAMENTE e sem cortes como funciona o mundo atual e sua ligação com os animais.
Você verá todo modo de aflição que o homem proporciona aos animais de estimação, no consumo de carne, na diversão geral e tambem na ciência. Mas o filme não foi feito apenas pra chocar com um punhado de imagens impactantes, ele funciona como uma ótima lavagem cerebral nos humanóides especistas.
Não existe contra indicação para este filme.. deve ser visto em familia, com amigos, namorados, parentes, salas de cinema...
“Se eu pudesse fazer com que todos no mundo vissem um filme, eu os faria assistir EARTHLINGS.” - Peter Singer, autor Libertação Animal
O filme do próximo sábado dia 16/05 no SESC Cineclube Silenzio, é a obra-prima do cultuado diretor japonês Takashi Miike, A Entrevista, ou Audition.
As sessões são no SESC Cascavel, todos os sábados às 19:30hrs. A entrada é grátis.
Lembramos a todos também que no outro sábado, dia 23, o Cineclube não fará sessão em decorrência da Mostra 15 de eTeatro do SESC, participem.
Sinopse: Um solitário viúvo conta com a ajuda de um produtor, que arma uma audição para um filme inexistente, afim de que o amigo escolha sua futura mulher. O viúvo fica fascinado por Yamazaki, uma jovem misteriosa e enigmática.
Crítica por: Bernardo Krivochein (Rio) em Zeta Filmes
Minha mandíbula dói. Pelos últimos 15 minutos, eu fiquei de boca aberta. Eu odeio "Audition" por isso. O filme vai criando um clima carregado, mas toda a expectativa que você vem montando, se preparando, de nada serve. Eu entro na sala e o filme já tem o ponto negativo de ter sido elogiado por tudo que é imprensa especializada de cinema, tem essa aura carregada que me faz esperar que o filme seja no mínimo "..E O Vento Levou" do rodízio de Sushi, o que nunca acontece. Saio do cinema, concordando com tudo aquilo que li e pior:Eu estava realmente com medo.
Aoyama (Ryo Ishibashi, ex-vocalista de uma banda de punk rock) é um pai viúvo há muitos anos, dono de uma produtora, criando um filho adolescente que, belo dia, propõe que está mais do que na hora de ele encontrar uma mulher. Seu amigo, produtor de cinema, propõe um teste de elenco caô, para que ele selecione entre as pobres candidatas incautas, a ideal para um relacionamento. Dentre todas, a bailarina fracassada Asami é a que o atrai, principalmente pela familiaridade com a sensação de perda, compartilhada pelos dois. Lentamente, vão marcando encontros onde, desajeitadamente e afobadamente, envolvem-se. Audition inicia-se como uma comédia romântica, que lentamente ganha sobriedade e pinta um painel sobre a solidão em cidades grandes e dos relacionamentos na Tóquio moderna.
Desnecessário dizer que tudo vai para o vinagre.
Até porque se você estiver familiarizado com a obra do diretor Takeshi Miike (que dirigiu "Ichi The Killer", "Visitor Q" e "The Happiness of the Katakuris", que parece ser um "Oito Mulheres" que deu certo), sabe que o sujeito não é conhecido por ser contido - feito o tarado da estação Pampulha, ele mostra tudo. Mas o nervosismo, o virtuosismo de câmera, um roteiro vazando adrenalina, todo o conjunto normalmente associado a ele, ficou para outro filme. Miike mostra maturidade, paciência de Jó e muito sadismo com "Audition". São tantas vezes que ele te leva para um outro lugar além daquele que você espera, que me deixou exausto, sem fôlego. São várias rasteiras que ele te reserva, mas esqueça que um dia eu falei isso e seja surpreendido.
"Audition" constrói-se em cima de fatias de tensão, que são incorporadas ao filme discretíssimamente, tanto que antes do clímax explosivo, o clima está tão pesado que é insuportável. Se a Subway vendesse um sanduíche baseado nesse filme, seria chamado de Mega Combo do Cagaço e seria tão cheio de recheio que seria impossível comê-lo sem que litros de molho não derramassem na sua camisetinha branca apertada. "Audition" traz ao espectador a coisa mais próxima de um filme que Hitchcock hoje, caso estivesse ainda vivo e consciente da vertente atual. É sufocante.
É lento pacas, mas o personagem principal acaba entrando pela veia do espectador. Ele é desnudo para o espectador, psicologicamente, somos sempre recordados de que ele não é perfeito, mas aceitamos o sujeito mesmo assim. Embora as decisões tomadas por Aoyama sejam perfeitamente machistas e chauvinistas (ele só quer encontrar uma mulher para preencher o SEU vazio, tem que corresponder às SUAS expectativas e se ele tiver que tirar algumas moças de seu caminho e mentir para elas, colocando-as numa situação de quase mercado humano, isso nunca é refletido por ele), no final das contas, ele é um sujeito sozinho e todos se identificam com isso. Não resta dúvidas de que ele não é, nem de longe, uma pessoa ruim.
O impacto de "Audition" é fruto justamente disso: o público encontra-se no personagem e, logo, encontra-se jogado no meio de um sonho tornado pesadelo. "Atração Fatal" é pinto! Eu odeio esse filme pela inquietação que me fez passar e amo simplesmente pela pequena obra-prima de terror que o filme é. A imagem de uma menina japonesa dizendo que eu tenho que amar a ela e somente a ela para sempre me dá frios na espinha. O filme nos abandona, várias questões foram deixadas sem resposta e o filme nos persegue pela rua, saindo do cinema. Não consigo frisar o bastante a qualidade desse filme. Segura na mão de Deus e vai.
Neste sábado dia 09/06 às 19:30hrs, o filme exibido pelo SESC Cineclube Silenzio será "Ondas do Destino" (Breaking the Waves) do dinamarquês Lars Von Trier (Dogville, Dançando no Escuro), a exibição é no salão do SESC Cascavel e a entrada é GRÁTIS.
No norte da Escócia uma jovem mulher (Emily Watson) se apaixona e se casa com um dinamarquês (Stellan Skarsgard) que trabalha em uma plataforma de petróleo. Quando ele retorna ao seu serviço sofre um acidente, quebrando seu pescoço e provavelmente o deixando incapacitado para o resto da vida. Nesta situação ele pressiona a mulher a procurar amantes e lhe contar detalhes de suas relações.
Premiações-
- Recebeu uma indicação ao Oscar, na categoria de Melhor Atriz (Emily Watson).
- Recebeu 2 indicações ao Globo de Ouro, nas categorias de Melhor Filme - Drama e Melhor Atriz - Drama (Emily Watson).
- Recebeu uma indicação ao BAFTA, na categoria de Melhor Atriz (Emily Watson).
- Recebeu uma indicação ao Independent Spirit Awards, na categoria de Melhor Filme Estrangeiro.
- Ganhou o César de Melhor Filme Estrangeiro.
- Ganhou o Grande Prêmio do Júri, no Festival de Cannes.
- Ganhou 3 prêmios Bodil, nas seguintes categorias: Melhor Filme, Melhor Atriz (Emily Watson) e Melhor Atriz Coadjuvante (Katrin Cartlidge).
- Ganhou o prêmio de Melhor Filme no Festival Internacional do Uruguai.
Curiosidades- Ondas do Destino é o filme de estréia da atriz Emily Watson.
Jim Jarmusch deu as caras no cenário independente do cinema americano em 1983, com Estranhos no Paraíso, que se tornou altamente cultuado e lhe abriu as portas para seu próximo longa, a idiossincrática comédia Daunbailó. Apesar destes dois filmes se divergirem bastante em tom, ambos apresentam uma marca clássica de Jarmusch, que são personagens marginalizados.
A estória é sobre dois sujeitos que, ao caírem numa armação da polícia, vão dividir uma cela juntos na prisão. Jack é um cafetão de baixa categoria que se envolve erroenamente num esquema de corrupção de menores, enquanto Zack é um ex-radialista que, expulso de casa pela namorada, aceita um serviço de transporte de um carro, sem saber que tinha uma pessoa no porta-malas; dois seres que vivem nos limites da sociedade, longe dos ideais do sonho americano. Muito além do nome, os dois se parecem tanto no jeito de ser que imediatamente se odeiam, como se olhassem num espelho e vissem tudo que há de condenável na sociedade, e que os botou na cadeia, à princípio. O clima pesado se alastra durante dias a semanas na prisão, que é marcante no começo da projeção (que, aliás, retrata Nova Orleans da mesma maneira que os protagonistas, uma cidade fria, suja e escura, longe dos shows de jazz e clima de desfile de costume), até a chegada do terceiro companheiro de cela, o franzino italiano Roberto.
Roberto Benigni, em começo de carreira, já retrata desde lá o mesmo tipo de personagem que o consagraria anos mais tarde, e transforma Roberto num divisor de águas no filme. O tagarela e por vezes irritante italiano logo se transforma num ser que tanto Jack quanto Zack podem odiar mutuamente, mas sua simpatia aos poucos o aproxima dos dois. Sendo o único lá a realmente pagar por um crime (um homicídio que, à melhor maneira de Chaves, foi 'sem querer querendo'), Roberto adiciona um humor tão inconsequente e inocente que muda todos os rumos da projeção. Para começar, o cenário muda, já que ele arranja um jeito de fugir da prisão (uma fuga que nunca é mostrada, o que acaba tendo um resultado muito mais positivo que caso fosse inventado uma maneira mirabolante de escapar), e agora os três amigos - na definição de Roberto - estão à solta no meio de um enorme pântano, sempre a correr. Essa segunda parte do filme apresenta-se de uma maneira bem mais leve e descontraída, a fotografia fica mais clara, as cenas têm menor duração e o ritmo é mais acelerado.
Mas enganam-se eles achando que estão livres. Simplesmente mudaram de prisão (inclusive, a cabana em que eles passam a primeira noite é quase idêntica à antiga cela). Perdidos no meio do nada, sem saber para onde ir, a aliança dos três parece estar sempre à beira do colapso, e por diversas vezes chega a acabar, mas eles sempre voltam, centrados na figura de Roberto. Este, aliás, torna-se o personagem mais interessante do longa. Perdido numa cultura estranha, ele é um personagem em desespero, e o mais marginalizado de todos. Falando apenas o inglês mais básico, a língua é um constante problema, que o faz andar com um caderno de notas com piadinhas para tentar se socializar; durante uma discussão sobre gritos na prisão, ele lança um verso: "i scream, you scream, we all scream, for ice cream" ("eu grito, você grita, todos gritamos por sorvete") que, de tão ingênuo, acaba conquistando os dois companheiros, e vira uma espécie de hino-desabafo na cadeia. Pode-se notar também sua aparente tristeza e decepção quando é deixado para trás por Jack e Zack, e fica preso entre um rio (que não pode atravessar por não saber nadar) e os latidos de cães se aproximando (sua maior fobia), o que prova a escolha acertada de Benigni, que vai bem além de servir como um alívio cômico caricato. Ainda assim, ele prova ser o mais capaz dos três, já que sempre procura fazer todos ficarem unidos, e é ele quem acha a saída da cadeia, caça e assa comida à noite (numa cena hilária, totalmente improvisada pelo ator), e consegue um abrigo com uma italiana, que logo vira sua esposa (na verdade, esposa do Benigni na vida real, o que fica óbvio devido à afinidade dos dois na cena de dança). Jack e Zack não são propriamente atores - John Lurie, que interpreta Jack, já havia trabalhado em Estranhos no Paraíso - e sim compositores (eles que compõem a bela trilha sonora do filme), mas isto não atrapalha o trabalho deles, que retratam bem as divergências dos dois até o final do filme.
A fotografia de Robbie Müller (que fotografou Paris, Texas) também é um show à parte. Sempre trabalhando com um chiaroscuro de bastante contraste, dá o tom certo ao filme apenas mexendo nas variações de brilho (ao fim da projeção, está tudo tão claro que parece ter vazado luz no filme). Sempre trabalhando com um humor calmo, constituído de longas tomadas (herança de Jacques Tati, talvez?), é certamente o filme mais engraçado do diretor. Aliás, a brincadeira com o título original, 'Down by Law', que em português virou 'Daunbailó', entra bem no clima do filme, e parece ter sido criada de encomenda pelo próprio diretor. Estranhos no Paraíso pode até ser considerado um filme mais importante, de vanguarda, marco zero e tal, mas foi com Daunbailó que Jarmusch se firmou de vez no novo cinema independente americano.
Por Roberto Ribeiro
Direção: Jim Jarmusch» Origem: Alemanha/Estados Unidos» Duração: 107 minutos
Trailer:
» Sinopse: O filme é sobre dois sujeitos que, ao caírem numa armação da polícia, vão dividir uma cela juntos na prisão. Jack é um cafetão de baixa categoria que se envolve erroenamente num esquema de corrupção de menores, enquanto Zack é um ex-radialista que, expulso de casa pela namorada, aceita um serviço de transportar um carro, sem saber que tinha uma pessoa no porta-malas.
Elenco ::.
Roberto Benigni, Nicoletta Braschi, Tom Waits, John Lurie, Ellen Barkin, Billie Neal
Quando: Dia 02/06 Hora: 19:30hrs ENTRADA GRÁTIS No SESC - CASCAVEL (Endereço no Topo da Página)
Dia 26 de Maio de 2007 - 19:30hrs No SESC Cascavel - Entrada Grátis.
O mecanismo do acaso e coincidência, genialmente trabalhado por Faulkner na literatura, teve em Kieslowski o seu representante cinematográfico mais ilustre. Na primeira meia hora de Não Matarás, assistimos a três histórias paralelas de três personagens nas ruas de Varsóvia: um jovem advogado que faz um exame numa espécie de correspondente à OAB polonesa, um taxista vitriólico com cães e gatos, e um rapaz que perambula alheatoriamente pela cidade; ao cabo de escassos minutos já intuímos que estes destinos irão cruzar-se de uma maneira ou de outra. Versão expandida de um dos episódios da sua monumental série Decálogo, que analisava cada um dos mandamentos da Bíblia, este filme do realizador polones é um triunfante thriller existencialista, abarcando as tensões de um Hitchcock e a metafísica de Dostoiveski à lá Crime e Castigo; o crime cometido, esse mesmo, é filmado exemplarmente, com níveis de dilatação do tempo e crueldade que Alfred não desdenharia fazer, caso o deixassem. Kieslowski apresenta a capital através de uma fotografia "dura", sem bonitinhos, o mood certo para a tragédia subterrânea da estória, que após a sua peça central (o crime) dá lugar a um imediato castigo, numa gigantesca elipse de enorme economia narrativa. A última meia hora, ritual de portas de prisão batendo e preparativos para o enforcamento, é um mostruário da eficiência de Estado, gestos tecnocratas pouco preocupados com questões sentimentais. A música do famoso Zbigniew Presiner, ora melancólica ora tensa, transmite mais nuances emocionais a este conto; os diálogos finais entre o jovem advogado e o autor do crime valem pelo seu intimismo doloroso e confessional.
Resumo:
Jack é um jovem desempregado obcecado pela violência. Certo dia, sem motivo aparente, ele sai pelas ruas de Varsóvia e resolve matar um motorista de táxi, proporcionando uma das cenas mais cruas, reais e violentas. Um advogado criminalista tenta livrar Jack da pena de morte, e pelo caminho ele esbarra com um Estado totalitário e uma sociedade ainda mais cruel que seu próprio cliente.
Título:
NÃO MATARÁS (Krotki film o zabijaniu) Direção: Krzysztof Kieslowski Elenco: Miroslaw Baka, Jack K. Globisz Origem: Polônia
Data:
1988
Duração:
85 minutos
Fonte: Mil e um Filmes e Conselho Federal de Psicologia / Serviço de Biblioteca e Documentação do Instituto de Psicologia - USP
Uma das obras-primas do cineasta italiano Federico Fellini (1920-1993), é o filme do próximo sábado dia 19 de maio no SESC Cineclube Silenzio, incorporando uma sequência vetada pela Igreja na época de seu lançamento, em 1957. Noites de Cabíria levou o Oscar de melhor filme estrangeiro e melhor atriz em Cannes para Giuletta Masina, mulher do diretor e protagonista de Julieta dos Espíritos e A Estrada da Vida, também de Fellini.
Cabíria é enganada por todos os homens que encontra.
Giulietta é Cabíria, uma prostituta ingênua que acredita no amor perfeito e na sinceridade humana. Na primeira sequência, ela é atirada em um rio pelo namorado Giorgio (Franco Fabrizi), que sai correndo com a bolsa e o dinheiro. Ao ser resgatada, ela não consegue aceitar a crueldade e a sordidez contínua de sua condição, prosseguindo em um caminho de ascese através do sofrimento.
Depois do desencanto com o cafetão que a explora, Cabíria se envolve com Alberto Lazzari (Amedeo Nazzari), com outros homens, sempre confiando na humanidade de seu próximo amante afim de finalmente encontrar aquele homem que a traga felicidade.
A passagem vetada pela Igreja é bem mais inocente do que a profissão da protagonista supõe. É o encontro de Cabíria com um benemérito que sai pela cidade distribuindo alimentos aos mendigos em um saco. Para a Igreja, este tipo de caridade individual pressupõe a indiferença da instituição laica frente à miséria, uma passagem mais indecente que o ganha-pão da prostituta mais comovente do cinema.
Cássia Borsero em ZAZ Cinema
Texto de Federico Fellini:
Adaptar o Personagem ao Ator
Se penso nos filmes que rodei com Giulietta, posso dizer que a construção de minha personagem é baseada inteiramente nas suas possibilidades de atriz. Em geral, quando penso em uma história, já sei com bastante exatidão quais serão os intérpretes de meus personagens principais. Por exemplo, Os Boas Vidas foi escrito sob medida para Sordi, para Trieste, para Interlenghi, para meu irmão... O único personagem que, no momento em que escrevia meu roteiro, eu não sabia por quem seria interpretado foi confiado a Franco Fabrizzi. Fiz numerosos ensaios e finalmente me decidi por Franco. Assim, quando escrevo uma história, já sei qual ator chamarei para cada papel. Mas às vezes, quando o roteiro está terminado e estou pronto para filmar, descubro que o ator em que tinha pensado não está livre, como ocorreu para A Trapaça. Escrevendo o roteiro, eu tinha pensado em Humphrey Bogart, mas na última hora – contar o porquê levaria muito tempo – o ator não estava mais disponível; tive de me decidir então por Broderick Crawford, que não conhecia senão por intermédio de fotografias, pois não tinha visto Les Fous du Roi, filme do qual arrumei uma projeção quando Crawford chegou na Itália. Houve então, de minha parte, uma adaptação do personagem a Crawford, a suas possibilidades de ator e a sua silhueta volumosa, totalmente diferente daquela de Bogart que, vocês se lembram, era muito mais parecida com a de um lobo faminto, com um rosto fundo, e que talvez fosse exprimir com mais eficácia o desespero de uma vida esgotada. Em suma, a melancolia profunda de Bogart teria sido provavelmente mais eficaz que aquela de Crawford. Para Crawford, precisei fazer algumas transposições, o que sempre faço com bastante prazer, pois creio que o imprevisto, o imprevisível, é às vezes um elemento positivo pra o sucesso de uma obra. Quando não posso encontrar o ator que quero ou quando não sou bem sucedido na busca de um rosto tal como minha imaginação o havia concebido, ponho-me com uma grande desenvoltura rumo a outra solução.
Em suma, eu gostaria de dizer isso: que jamais cometo (e talvez esteja aí o único sistema que se pode identificar no meu método de trabalho) o erro – pois isso me parece um erro – de adaptar o ator ao personagem, mas faço sempre o contrário, o que significa que me esforço para adaptar o personagem ao ator. Nunca peço ao ator um esforço de interpretação particular, ou seja, nunca me obstino a fazê-lo dizer meus diálogos num dado tom. O caso de Giulietta interpretando Gelsomina é o único exemplo em que obriguei uma atriz que tem um temperamento exuberante, agressivo, até pirotécnico, a fazer o papel estilizado de uma criatura retraída de timidez, com um clarão de razão e de gestos sempre no limite da caricatura e do grotesco. Isso me demandou um esforço muito grande e nesse caso particular, Giulietta, contrariamente ao que ela fez por Cabiria, precisou de um esforço de interpretação muito grande, porque Gelsomina é uma “interpretação” enquanto “Cabiria” estava muito mais na sua afinação, com sua agressividade, seu temperamento quase um pouco alucinado, sua prolixidade.
Quando dirijo meus atores, em geral mimetizo completamente a ação e tento dar eu mesmo aos diálogos a entonação que me parece a boa. Mas às vezes, para não arriscar de influenciá-lo, para não obrigar o ator a me imitar, gosto de ver o que ele faria por si próprio. A esse propósito posso dizer uma coisa: é que minha inspiração, no que concerne á interpretação dos atores, vem principalmente entre a filmagem de um e outro plano, durante os momentos em que o ator vai se sentar numa cadeira, em que ele pede seu lanche, em que ele flerta com uma figurante, em que ele vai telefonar ou em que ele tira uma soneca.
É sempre difícil remontar justo à fonte da inspiração, mas eu poderia contar a esse propósito como nasceu o fim de Noites de Cabíria. Ele não nasceu apenas como fim, mas também como a idéia geradora de todo o filme. Quando um certo jornal de esquerda me acusou de ter uma atitude evasiva perante a realidade, de nunca sugerir nas minhas histórias uma solução, um ponto de vista preciso, esforcei-me em agir com humildade sem levar em conta a irritação que senti ao ler coisas que realmente não esperava, e disse a mim mesmo: efetivamente, Zavattini e de Sica sugerem a inscrição a um partido, assim como sugerem alguma coisa a seus personagens, dão-lhes uma direção, e isso porque eles têm uma certa fé que eu não tenho, ao menos não num sentido preciso. É por isso que, ao fim de seus filmes, suas histórias e seus personagens satisfazem mais que os meus. Então eu me disse: talvez esses senhores tenham razão. A meus personagens, não termino por dizer ao fim do filme: “Vocês compreenderam direitinho, é preciso comprar tal jornal, ou também é preciso se casar, ou também ir à igreja...”. Não termino por lhes dizer nada.
No fundo, essa é uma atitude muito inumana da parte de um autor perante seus personagens. Portanto, investindo toda minha boa vontade (como se eu tivesse enfim resolvido dizer a meu personagem: “Você compreendeu bem, você fará isso ou aquilo”), me perguntei: “O que vou lhe dizer?”. E depois de pensar sobre isso durante muito tempo, percebi que não saberei o que lhe sugerir, porque não sei o que dizer a mim mesmo. Assim sendo, aos meus personagens, que são sempre tão infelizes, a única coisa que poderei oferecer será minha solidariedade: e assim poderei, por exemplo, dizer a um deles: “Escuta, não posso te explicar o que não sei, mas, em todo caso, te amo o suficiente e te ofereço uma serenata”. E assim, para Noites de Cabiria, pensei: quero fazer um filme que conte as aventuras de uma infeliz que, a despeito de tudo, espera confusamente, ingenuamente, por melhores relações entre os homens, simplesmente melhores relações; e ao fim do filme quero lhe dizer: “Escuta, fiz você passar por todo tipo de desgraça, mas você me é tão simpática que quero compor-lhe uma pequena serenata”. E depois, sobre essa idéia talvez um pouco ingênua, imaginei uma cena. Tratava-se de uma mulher, de uma personagem infeliz que, ao fim de uma aventura ainda mais terrível que as outras, deveria perder de maneira absoluta e definitiva sua confiança na humanidade que a rodeava. E então me perguntei: por que essa personagem, num dado momento, não pode se convencer de que há alguém que lhe diz gentilmente e com simpatia: “Você tem razão”? E assim essa personagem se tornou Cabiria, e suas aventuras se tornaram aquelas de uma prostituta que vive como um pequeno camundongo num meio aterrorizante, continuamente esmagada pela realidade, mas que atravessa a vida com inocência e aquela misteriosa confiança. Ao fim do filme eu a faço encontrar um grupo exuberante de pessoas bem jovens, de uma humanidade ao limiar da vida, que gentilmente, debochando um pouco mas com candura, exprime-lhe sua gratidão cantando uma canção. Foi dessa idéia que, finalmente, nasceu todo o filme.
No que concerne minha colaboração com Giulietta, posso dizer que Giulietta não é somente a intérprete de meus filmes, mas que ela é também a sua inspiradora; não entendo por isso que a ajuda que ela me traz seja semelhante àquela de Pinelli, de Flaiani, de Rondi, quero dizer inspiradora num sentido bem mais profundo, à maneira de uma musa. Isso equivale a dizer que a vida com Giulietta – o que penso disso, a idéia que faço dela, do que pode ser sua humanidade, do que pode ser seu sentido na minha vida – me inspirou A Estrada da Vida e Noites de Cabiria.
Federico Fellini
(Publicado em Cahiers du Cinéma nº 84, Junho/1958; traduzido do francês por Luiz Carlos Oliveira Jr.)
Noites de Cabíria (Le Notti di Cabiria)
1957 - Itália
Direção: Federico Fellini
Com: Giulietta Masina, François Perier, Amedeo Nazzari Escrito por: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli & Pier Paolo Pasolini
Preto e Branco, 117minutos.
No SESC (Endereço no topo da página)
Dia 19/05 às 19:30hrs
Entrada Grátis
Ao fim do filme, como sempre, seguirá debate sobre o mesmo
PS.:Para ver o que foi discutido nos filmes anteriores, visite a seção de Comentários aqui nesse blog no post do respectivo filme
Só queria deixar claro aqui mesmo neste blog após receber um telefonema do Secretário de Cultura de Cascavel que:
1- Nossos desentendimentos no ano passado não foram com a pessoa de Julio César, secretário. Mas com instituições que representavam a secretaria de cultura, as quais nos negaram viablização e valorização por vezes até sem o conhecimento do mesmo.
2- Nem eu nem ninguém associado ao Cineclube Silenzio responde pelo nome ou pseudônimo de Clarice Tomé nem tem nenhuma relação com os chamados 'e-mails apócrifos' mandados em nome desta. (eu pessoalmente até achei que essa pessoa realmente existia)
3- Ao dizer que estamos contando com uma instituição séria e competente como o SESC não estamos necessariamente dizendo que as outras não são dignas desses adjetivos. Só estamos realçando essas qualidades na instituição privada do SESC
4- Não iremos retirar nenhum comentário a respeito de nossa triste passagem do antigo cineclube silenzio, pois seria faltar com a verdade, fomos desvalorizados seja quanto a legendagem de um acervo que agora já passa dos 300 filmes seja por querer um nível de qualidade nas exibições.
5- E finalmente e MAIS IMPORTANTE, o Cineclube Silenzio não tem nenhuma ligação política com nenhum partido ou filosofia de direita ou esquerda nem nunca terá, nenhum de seus membros defende qualquer idéia de nenhum dos partidos políticos. A única intenção do Cineclube é a proliferação da cultura. Unica e somente.
Não consideramos qualquer atividade cultural como concorrência e sim como APOIO. Então não iremos cair em falácias de um grupo cultural que é pequeno e deveria se ajudar mutuamente.
Monty Python: sexteto Inglês Monty Python composto pelos humoristas Eric Idle, Graham Chapman, John Cleese, Michael Palin, Terry Gilliam e Terry Jones.Fundado em 1969 e estreando no cinema em 1972, o grupo foi o criador de um humor anárquico e surreal, definido por eles como Pythonesco, e que atacava a moral, os costumes, a família, os dogmas e as tradições britânicas. Sua influência foi mundial com ecos até no Brasil via TV Pirata. Após a dissolução da trupe na década de 80, seus integrantes dirigiram e atuaram individualmente em diversas produções como Brazil, o filme,12 macacos, Um peixe chamado Wanda e As Aventuras do Barão de Munchausen.
Ao Vivo no Hollywood Bowl:Registro da apresentação dos humoristas em Los Angeles. Eles mostram alguns esquetes novos, além de quadros clássicos do "Flying Circus" Vale para mostrar o poder de improvisação dos atores (vide o esquete da competição de pobreza e o do Fórum Mundial). É possível reparar também que nem o próprios Pythons conseguem segurar o riso no meio de tanta maluquice (é de rolar no chão quando Gilliam tenta segurar o riso no esquete da aula de comédia).
Feito como uma maneira de arrecadar fundos para filmar "O Sentido da Vida", as 4 noites de apresentação do famoso grupo humorístico da Inglaterra pôde na época ser visto ao vivo por uma multidão que lotou o Hollywood Bowl.
Para quem não assistiu nenhum dos filmes: "Em Busca do Cálice Sagrado", "A Vida de Brian" e "O Sentido da Vida", é um bom modo de começar, sendo que o espetáculo une algumas das melhores esquetes do programa televisivo "Monty Python Flying Circus" exibido desde 1969 até o inicio da carreira cinematográfica.
Para ter uma idéia confira uma das cenas do filme abaixo:
Monty Python ao vivo no Hollywood Bowl será exibido neste sábado dia 12/05 às 19:30
no SESC Cascavel (endereço no topo da página)
Todos os filmes são legendados em português.
Prezamos a opinião de todos, portanto qualquer sugestão para melhoria do cineclube pode e deve ser enviada para: gracieleweiler@sescpr.com.br
ou pelo telefone:
(45) 3225-3828
Obrigado a todos pela presença e esperamos vocês de novo lá.
Agora podendo dar o respeito que vocês merecem.
Abraços!
Desconsiderando as convenções formais da arte de fazer um filme, Godard apresenta uma narrativa fragmentada de um insignificante ladrão, Michel (Belmondo), indo de Marseilles à Paris em um carro roubado. Ao longo do caminho, ele mata um policial que tenta prendê-lo por excesso de velocidade. Já em Paris, ele convence uma relutante Patrícia (Seberg), sua namorada, a esconder o corpo, até ele receber um dinheiro que lhe devem. Depois, promete ele, ambos irão até a Itália. Neste ínterim, o crime de Michel já repercutira em vários jornais; ele então se esconde no apartamento de Patrícia onde, em uma inesquecível cena, eles discutem sobre livros e o flerte entre os dois, ele discursa sobre a morte, ela o informa que está grávida dele, e os dois fazem amor.
Um genuíno borra-botas, Michel Poiccard veste um traje de "valentão" com óculos escuros, terno, gravata e um chapéu de filme dos gângsters americanos dos anos 40. Ele rouba paquímetros, esvazia pneus, rouba carteiras, carros e assalta um homem em um banheiro masculino.
Quando ele é reconhecido na rua por um informante (o próprio Godard), a final e trágica perseguição se inicia. Um inspetor de polícia (Boulanger) visita Patrícia e mostra a ela a notícia do crime de seu namorado, alertando-a que, se ela não colaborar com a lei, diversos problemas iriam ser criados a ela. Uma diligência policial é formada para capturar Michel. Ele e Patrícia vão então ao cinema. Ela o ajuda a encontrar o homem que devia o dinheiro e o casal passa a noite na casa de amigos. Na manhã seguinte, ela liga para o inspetor e informa o paradeiro de Michel. Na rua, Michel está perto de pegar o seu dinheiro, quando é surpreendido pelo inspetor, que atira nele. Enquanto Michel colapsa, Patrícia assiste, impassível, à sua morte.
CRÍTICA
"Qualquer coisa vai" é o espírito por trás de Acossado, o retrato de Godard de dois personagens perdidos no labirinto do existencialismo de ruptura, como um raio em um mundo à margem de uma transformação social. O diretor tornou-se um "deus" entre a juventude e o filme é a grande conquista cinematográfica da Nouvelle Vague. François Truffaut foi aquele que relatando o fato.
Primeiro longa de Godard, Acossado é um espirituoso e romântico filme de perseguição com Jean-Paul Belmondo como um criminoso parisiense, e Joan Seberg como uma garota americana que, ocasionalmente, vive com ele. Godard, que dedicou esse filme de 90 mil dólares a Monogram Pictures, viu algo nos baratos filmes de gângster americanos que faltava aos filmes franceses; ele poetizou e o fez tão moderno (com rápidos cortes), que tornou-o uma das maiores influências para os filmes americanos dos anos 60. Aqui, ele trouxe elementos desarmoniosos - ironia, palhaçada e derrota - e buscou elementos psicológicos de diversos filmes para o seu próprio produto. O filme é leve, brincalhão e com toques de improvisação, até mesmo um pouco bobo. Os personagens, que são atordoados e desajeitados e não estão nem aí para nada, não são apenas familiares de uma maneira reveladora e excitante, eles são também terrivelmente atraentes.
Algumas participações especiais: o conhecido diretor Jean-Pierre Melville faz uma celebridade; Daniel Boulanger aparece como um inspetor de polícia; o próprio Godard como um informante; Truffaut e Chabrol.
Ao manter a história simples, Godard pôde fazer o que mais gosta: liberar o filme das convenções herdadas e empregar uma colagem de técnicas inovadoras - os chamados jump cuts, ângulos de câmera fora do comum e edição elíptica. Em uma cena, por exemplo, Godard senta-se em uma cadeira de rodas e, com a câmera no colo, filma ao longo da rua, seguindo os atores e forçando os espectadores a perceber o que é familiar, de uma maneira inovadora. Produz-se, dessa maneira, um imediatismo que deu a Acossado, como diz Godard, "um senso de viver no momento".
O estilo do filme tem um profundo efeito na história do cinema, abrindo o caminho, como observou um crítico, "para um cinema mais livre e pessoal". Também demonstrou aos cineastas o que os novelistas sempre souberam: que a maneira em que a história é contada pode ser mais importante do que a própria história. Acossado tem hoje um status de cult.
Tempo de Duração: 86 minutos Ano de Lançamento (França): 1959 Estúdio: Impéria / Société Nouvelle de Cinématographie / Les Films Georges de Beauregard Distribuição: Impéria Direção: Jean-Luc Godard Roteiro: Jean-Luc Godard, baseado em estória de François Truffaut Produção: Georges de Beauregard Música: Martial Solal Fotografia: Raoul Coutard Desenho de Produção: Claude Chabrol Edição: Cécile Decugis e Lila Herman
Elenco
Jean-Paul Belmondo (Michael Poiccard)
Jean Seberg (Patricia Franchisi)
Daniel Boulanger (Inspetor de polícia)
Jean-Pierre Melville (Parvulesco)
Henri-Jacques Huet (Antonio Berrutti)
Van Doude (Jornalista)
Claude Mansard (Claudius Mansard)
Jean-Luc Godard (Informante)
Richard Balducci (Tolmatchoff)
Roger Hanin (Cal Zombach)
SESSÃO: Dia 05/05 19:30hrs no SESC (endereço no topo da página) ENTRADA GRÁTIS
Após o empenho que tivemos e os problemas que enfrentamos na tentativa de estabilização do Cineclube ano passado, FINALMENTE temos boas notícias.
Este ano, o CineClube Silenzio estará funcionando nas dependências do SESC, com sessões semanais e mantendo a mesma proposta.Infelizmente por alguns arranjos, voltaremos apenas na metade de março. Por outro lado, já temos a certeza e comunicamos aos amigos, apoiadores e novos colegas que ESTAMOS DE VOLTA!!!
Pedimos então mais um pouco de paciência, pois assim que tivermos uma data, avisaremos a todos.
O roteirista e diretor de cinema Vander Colombo, juntamente com Laysmara Carneiro Edoardo, lançou em Cascavel o Cineclube Silenzio a partir do projeto CineMac. Entretanto, o projeto que vai para sua terceira edição, sofre com a falta de apoio.
“Nós vimos o que os cinemas de Cascavel oferecem e notamos que as pessoas não têm acesso a filmes mais artísticos, antigos e raros, então decidimos montar o cineclube”, explica Vander.
Ele conta que a Secretaria de Cultura decidiu não apoiar a iniciativa.
“Disseram que não havia interesse”.
Uma associação de artistas de Cascavel manifestou que iria colaborar com R$ 100, mas recuou. “A única pessoa que ajudou até agora foi o presidente da ACL, Antonio Jesus, com um valor simbólico”, pondera Vander.
“O projeto em si é barato. Um salário mínimo por mês já seria suficiente. É um valor irrisório para uma prefeitura. Não queremos, mas se continuar assim, teremos de começar a cobrar a entrada a fim de manter o projeto na ativa”, ressalta.
O Cineclube não pára
O Cineclube Silenzio teve três edições. Na primeira foi exibido I Clows, do famoso diretor Federico Fellini, seguido de uma discussão com um grupo de jovens que interpretam uma trupe de palhaços.
Na segunda foi o filme brasileiro Macunaíma. O debate foi precedido pelo presidente da ACL (Academia Cascavelense
de Letras).
E a terceira, que encerrou as atividades de 2006 foi exibido o filme A Arca Russa de Alexander Sukurov.
“Para o pessoal que curte cinema trash preparamos para o ano que vem exibir o filme italiano Cannibal Hocaust, que é a mais controversa produção cinematográfica de terror já feita. E outro, alemão, chamado Nekromantic. Em alguns países a exibição desse filme dá cadeia”, explica um dos organizadores do projeto e diretor de cinema Vander Colombo.
Também serão exibidos filmes de Píer Paolo Pasolini e de Takashi Miike. “O Takashi possui cerca de 20 filmes e nenhum foi lançado no Brasil. Ele é considerado o mestre do cinema extremo. Quem se assustou com A Paixão de Cristo ficará de boca aberta com os filmes dele”, pondera Vander.
Mais informações
sobre o CineClube Silenzio no blog
cineclubesilenzio.blogspot.com
O secretário de Cultura de Cascavel,
Julio Cesar Fernandes, garantiu o apoio
ao projeto, mas somente para 2007.
“Eles podem contar com total apoio da
secretaria no que diz respeito à divulgação
e estrutura, como projetores, local,
entre outros”.
Julio explica que a proposta inicial foi
apresentada em um momento complicado,
por isso não foi aceito inicialmente.
“Está bastante tumultuado. Vários
projetos se concretizando, várias
inaugurações e logo entraremos em
férias coletivas”.
Mas ele orienta que os organizadores do
projeto entrem em contato para já
discutir o projeto para o ano que vem.
“Quanto a dinheiro é mais difícil, mas
não impossível. Cabe a eles me apresentarem
um projeto que justifique a
aplicação dessa verba. Não consigo
visualizar sua finalidade, visto que eles
têm a disposição toda a infraestrutura e
a divulgação. Aguardo o projeto”.
Pois bem, como já havia sido dito A Sec. de Cultura não vê a "justificativa" para empregar verba alguma no cineclube, e segundo a mesma não há capacidade para acomodar dois cineclubes, como vocês acompanharam, parece que não houve justificativa nem ao menos para que o projetor estivesse funcionando em algumas das sessões (e olhe que só foram três). O MAC deu pra trás decidindo montar sua própria mostra, lembrando que foi a APLAC que negou a verba de cem reais.
Pois bem aí vai um pequeno "orçamento" do que se gasta, realmente não é justificável...
Gravador de DVD LG=R$ 150,00
Tubo de Mídia Virgem com 25 c/ estojo = R$ 70,00
Modem de ADSL = R$ 120,00
Conseguir um filme de Pasolini cuja filmagem lhe custou a vida e que foi banido de diversos países; Traduzir e legendar um filme verborrágico em francês de Jean-Luc Godard nunca lançado no Brasil; dar ao espectador da cidade de Cascavel que se considera um "pólo cinematográfico" o direito de escolha que vai além de:
- Van Damme ou Harry Potter?
Inovar e trazer para o interior do estado o que nem mesmo a capital tem = Não tem preço.
É por estes e outros motivos que estamos abandonando as Instuições Públicas e partindo para as Privadas.
O Cineclube Silenzio começou no fim de 2006 como uma parceria com a Secretaria de Cultura de Cascavel.
Após três exibições com diversos problemas, decidimos parar.
No começo de 2007 o SESC nos acolheu e pudemos recomeçar a todo vapor contando com uma instituição séria e competente ao nosso favor.
