SESC CineClube Silenzio

24-26/02 Mostra John Cassavetes

2011-02-18T12:18:00.007-02:00

De 24 a 26 de fevereiro a unidade do SESC de Cascavel recebe uma mostra do cineasta "John Cassavetes", como inauguração da programação do CineSESC 2011.

Considerado fundador do Cinema Independente nos Estados Unidos, o cineasta John Cassavetes criou um estilo próprio e quase artesanal de trabalho. Cassavetes inovou e conquistou fãs por meio de filmes com baixos orçamentos, ousadia e uma proposta voltada para valorizar as interpretações.

São três filmes selecionados para a amostra: "Uma Mulher sob Influência" (dia 24), "A Morte de um Bookmaker Chinês" (25) e "Noite de Estréia" (26). Todos com início às 19:30h.

Em março o CineSESC continua, com a "Mostra Cinco Vezes Lucia Murat".

Filmes de baixo orçamento apreciados até hoje renderam ao cineasta o título de "pai" do cinema independente nos EUA

Saiba mais sobre os filmes de John Cassavetes:

Uma Mulher sob Influência, 1974 – o filme tem a temática da comunicação, ou da falta dela, entre um marido e sua esposa. As interpretações conduzidas pelo diretor, que foi indicado ao Oscar, transmitem uma ansiedade e ao mesmo tempo nos fazem rir.

A Morte de um Bookmaker Chinês,1976 – dá continuidade ao tema da comunicação pessoal, dos problemas enfrentados por pessoas comuns. O dono de uma boate de strip-tease de Los Angeles não tem a vida mais tradicional que se possa imaginar, mas é um homem simples, sem grandes feitos ou grandes erros. Cassavetes se destaca, ao escrever e dirigir o filme em que opta por evidenciar questões que podem, à primeira vista, parecer irrelevantes.

Noite de Estréia, 1977 – além de roteirista e diretor, é também um dos atores principais. Talvez seja o exemplo mais contundente da preocupação de Cassavetes com o trabalho dos atores enquanto criadores em seus filmes, pois o tema do filme envolve uma famosa atriz em dificuldades após a morte de uma fã.

CineSESC - Mostra John Cassavetes

Data e horário: 24 a 26 de fevereiro, às 19:30h.

Local: SESC Cascavel.

Ingressos: Entrada Franca

NO SÁBADO:
Oficina de Roteiro I - das 09h às 12h
Oficina Grandes Diretores: Jean-Luc Godard - das 14h às 17h

Produções Cascavelenses

2010-11-30T23:50:00.000-02:00

Lili Marlene from Vander Colombo on Vimeo.

LILI MARLENE (2006)

Risologistas from Vander Colombo on Vimeo.

RISOLOGISTAS (2010)

28, 29 e 30/10 - Mostra de Animação

2010-10-28T12:27:00.006-02:00

28, 29 e 30/10 - Mostra de Animação
no SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

Mostra Cinema de Animação Sessões sempre às 20hrs no Salão Social do SESC

28 de Outubro - Quinta-Feira

"O Pequeno Narigudo" (Karlik Nos, dir. Ilya Maksimov, 2003). 79 min.

29 de Outubro - Sexta-feira

"O Reino dos Gatos" (Neko no Ongaeshi, dir. Hiroyuki Morita, 2002). 75 min.

30 de Outubro - Sábado

"Kirikou e os Animais Selvagens" (Kirikou et les Bêtes Sauvages, dir. Michel Ocelot, 2006). 75 min.

*Debate técnico após as exibições.
*Entrada Gratuita.

Oficina de Cinema
Roteiro III - Finalização de roteiro, decupagem, story-boards
30 de Outubro - sábado
Das 09h00 às 12h00 e das 14h00 às 17h00
Sesc Cascavel - sala Sesc Educação

*participação gratuita
*vagas limitadas
* inscrições pelo e-mail lysianebaldo@sescpr.com.br ou fone 45 3225-3828, com Lysiane.

26 a 28/08 - O Ano Mágico do Cinema Francês

2010-08-23T14:01:00.006-03:00

Max Fischer (Jason Schwartzman), um rapaz de quinze anos, conseguiu uma bolsa de estudos em Rushmore, uma escola preparatória para jovens de famílias ricas. Apesar de se dedicar a várias atividades extra-curricualres, Max corre o risco de ser expulso, em virtude das suas notas serem baixas. Ele se torna amigo de Herman Blume (Bill Murray), um magnata que atravessa uma depressão. Max se apaixona por Rosemary Cross (Olivia Williams), uma professora que tinha ficado viúva um ano atrás, mas há dois problemas: Rosemary acha que Max é muito novo para ela e, além disto, Herman se apaixona por Rosemary e os dois se envolvem, criando entre Fischer e Blume uma certa rivalidade.

Informações Técnicas Título no Brasil: Três É Demais Título Original: Rushmore País de Origem: EUA Gênero: Comédia Tempo de Duração: 95 minutos Ano de Lançamento: 1998 Site Oficial: Estúdio/Distrib.: Direção: Wes Anderson
Elenco Jason Schwartzman .... Max Fischer Bill Murray .... Herman Blume Olivia Williams .... Rosemary Cross Seymour Cassel .... Bert Fischer Brian Cox .... Dr. Guggenheim Mason Gamble .... Dirk Calloway Sara Tanaka .... Margaret Yang Stephen McCole .... Magnus Buchan Luke Wilson .... Dr. Peter Flynn Dipak Pallana .... Sr. Adams Andrew Wilson .... Técnico Beck Marietta Marich .... Sra. Guggenheim Ronnie McCawley .... Ronny Blume Keith McCawley .... Donny Blume Al Fielder .... Ernie

Três é Demais, de Wes Anderson Rushmore, EUA, 1999

Vamos começar desconsiderando o título brasileiro do filme de Anderson. Rushmore é o nome daquele que talvez seja o principal personagem do filme: a escola privada secundária onde estuda o protagonista e que ele tanto ama. Porque em última instância o filme é um exemplar do gênero do "cinema de escola". Mas isso é tudo de convencional ou qualificável que se pode encontrar no trabalho de Anderson. A partir da noção de um garoto de 15 anos vivendo intensamente seus anos de escola, o filme joga para o alto todas as convenções de gênero, e trabalha com uma mistura fundamental do que há de "realista" neste ambiente com o que ele projeta de imaginário e simbólico, pode-se dizer até mesmo que mítico, trabalhando na perspectiva da mitologia já criada pelo cinema americano como pela sociedade americana como um todo. Rushmore trabalha com esta "memória coletiva" com relação ao ambiente escolar, e constantemente a completa e subverte.

A começar pelo seu protagonista, Max Fischer. Ele é um garoto absolutamente incomum, mas ao mesmo tempo o mais comum deles. Não se pode encaixá-lo nas categorias que geralmente os filmes de escola criam, entre os nerds e os cool. Ele certamente nada tem de cool, mas ao mesmo tempo projeta uma profunda crença em tudo o que faz e acredita, disposto a abraçar o mundo com seu entusiasmo. É um garoto essencialmente bom, mas também capaz das maiores maldades quando contrariado. Ele mente, é péssimo aluno nas notas, mas ainda assim nunca tem nenhuma destas características colocadas em julgamento. Trata-se de fato de um personagem único, ou seja, ele dialoga com toda uma tradição de personagens, sem cair numa fórmula. Só Max Fischer pode ser Max Fischer.

Este é um dos mais essenciais pontos do cinema de Anderson que precisa ser entendido: todos os seus personagens dialogam com uma herança de tipos, mas nunca se encaixam em nenhum deles. O melhor amigo de Max é um garoto bem mais novo que ele, mas com a postura e os diálogos de um verdadeiro adulto, sempre em desacordo com sua imagem. Ao mesmo tempo, é capaz também de se voltar contra Max impiedosamente quando se sente traído. O objeto de desejo de Max também não é uma convencional colega a quem ele aspira, mas uma professora claramente fora do seu alcance, platônica, que só torna sua história mais terna e dura ao mesmo tempo.

Mas, talvez o principal personagem dentro desta perspectiva da estranheza ao estereótipo seja o magnata interpretado por Bill Murray, numa performance de impressionante contenção e sutileza. Trata-se de um milionário desencantado com a vida, e fascinado pela força vital de Max, que se torna um grande amigo dele. O que surpreende nesta relação entre um homem de mais de 50 anos e outro de 15 é que ela nunca de se dá na esperada condição de pai-filho. Pelo contrário, se há uma figura que surge como modelo entre os dois, é a de Max. A estranheza constante nesta relação se dá justamente pelo caráter verdadeiramente de iguais que se estabelece entre eles.

Porém não são só os personagens de Wes Anderson que trabalham nesta linha tênue entre o surreal e o realista. Todo o filme possui esta mesma sensação, com o trabalho cuidadoso e detalhista de direção de arte, figurinos, fotografia, e em especial a utilização da trilha sonora. Não se tem no filme a localização de um local ou uma data, porque é como se o diretor quisesse que nós víssemos uma essência atemporal do que seja ser adolescente, ter aspirações, ir à escola. O filme não é nunca anacrônico nem atual, mas transita constantemente entre os dois, com elementos quase sempre conflitantes e estranhamente funcionais.

O cinema de Anderson possui uma qualidade rara que é a capacidade de se mostrar extremamente cerebral no sentido da construção, onde se percebe com olhos atentos o cuidado com cada detalhe, que vai da movimentação de câmera ao mais sutil gesto dos atores, e os cuidados com o que se vê e ouve até mesmo no "background". Ao mesmo tempo, este detalhismo não se torna jamais frio, por causa do carinho e do arcabouço mítico com o qual o diretor trabalha, permitindo uma identificação constante do espectador com aquilo que assiste, por mais absurdo que possa parecer.

É como se os personagens trabalhassem fora da norma comum de comportamento social, mas aquilo que eles externam seja compreendido perfeitamente por se relacionar com o que todos sentimos. Rushmore é filmado como se visse o interior das pessoas, ultrapassando o limite do "real". Por isso consegue ser tão emocionante ao mesmo tempo em que é calculado e estranho. Trata-se de uma característica que assemelha em muitos pontos o trabalho do diretor com o dos irmãos Coen, que sempre trabalham com o conceito da "Americana" (a mitologia formadora de um imaginário comum de ícones norte-americanos) guiando seus filmes, que patinam no limite do mágico e do real, dos Estados Unidos entendidos em si mesmos como metáfora constante e um país que possui um tal arsenal imagético sobre si próprio que suas significações são necessariamente baseadas nele.

A sensação constante em Rushmore é que cada palavra e cada gesto dos personagens possui uma importância capital em suas vidas. E isso é especialmente adequado uma vez que o filme seja praticamente feio dentro da visão de seu protagonista, e aos 15 anos todos os atos e gestos têm esta força, tudo parece que vai durar para sempre e cada palavra de carinho ou rejeição possui proporções descomunais. Num momento o personagem de Bill Murray fala para Max: "Eu gastei 8 milhões de dólares para chamar a atenção dela!", ao que ele responde: "E isso é tudo que você está disposto a gastar?" Por conseguir capturar esta atmosfera onde amor, amizade, lealdade e rejeição são muito maiores e mais vitais do que em qualquer outro momento na vida, Rushmore é um dos maiores filmes americanos sobre esta idade, sobre esta condição chamada adolescência.

23/05 - A Dança dos Vampiros (Roman Polanski)

2009-05-19T13:18:00.004-03:00

NESTE Sábado dia 23 de Maio às 19:30h
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

A DANÇA DOS VAMPIROS (1967)

The fearless vampire killers

Direção: Roman Polanski

Roteiro: Roman Polanski, Gérard Brach

Produção: Gene Gutowski

Música Original: Christopher Komeda

Fotografia: Douglas Slocombe

Edição: Alastair McIntyre

Design de Produção: Wilfred Shingleton

Direção de Arte: Fred Carter

Figurino: Sophie Devine

País: USA/ING

Gênero: Comédia

Elenco

Ator / Atriz	Personagem
Jack MacGowran	Prof. Abronsius
Roman Polanski	Alfred, assistente do Prof. Abronsius
Alfie Bass	Shagal
Jessie Robins	Rebecca Shagal
Sharon Tate	Sarah Shagal
Ferdy Mayne	Conde Von Krolock
Iain Quarrier	Herbert Von Krolock
Terry Downes	Koukol
Fiona Lewis	Magda, a empregada
Ronald Lacey	Idiota
Sydney Bromley	Motorista
Andreas Malandrinos	Cortador de árvores
Otto Diamant	Cortador de árvores
Matthew Walters	Cortador de árvores

Sinopse

O professor universitário Abronsius, especialista em vampiros, e seu ajudante atrapalhado Alfred, partem para a Transilvânia, no coração da Europa Central, em busca de vampiros.

No albergue em que eles ficam hospedados, por superstição, não se fala em vampiros. O dono da hospedaria está preocupado em correr atrás da empregada e cuidar de sua filha Sarah, que tem um hábito obsessivo por banho. Logo no primeiro instante, Alfred apaixona-se por Sarah.

A moça é levada pelo conde Von Krolock, um temível e poderoso vampiro, até o seu sinistro castelo localizado nas montanhas de neve. O professor e seu assistente seguem em busca do tal castelo onde, além de Von Krolock, moram seu filho e um fiel e bizarro corcunda.

Ao chegarem lá, são muito bem recebidos pelo Conde que, entretanto, aguarda apenas o momento certo para atacá-los. Começa, então, a luta de Abronsius e de seu assistente para tentar escapar do castelo levando com eles a bela Sarah, agora uma nova vampira.

Críticas

"A Dança dos Vampiros" é, antes de tudo, uma paródia dos filmes sobre vampiros produzidos pela Hammer Film Production Ltd., tais como, "The brides of Dracula" de 1960 e "Dracula: Prince of Darkness" de 1966. Assim, o filme apresenta uma mistura bem dosada de comédia com trama policial.

Polanski sabe habilmente utilisar certos pontos fortes dos filmes da Hammer para os transcender. Os cenários realizados por Wilfred Shingleton são simplesmente magníficos. A fotografia de Douglas Slocombe, a estrutura da narrativa, a excelente música de Christopher Komeda que se encaixa perfeitamente no clima do filme e os primorosos figurinos de Sophie Devine fazem de "A Dança dos Vampiros" um clássico. O elenco é também um ponto forte, com destaque para Jack MacGowran.

O filme foi rodado entre Londres e a Itália. Embora se trate de uma comédia, Polanski consegue magistralmente inserir alguns momentos de requintado suspense.

Mistura elegante de comédia de humor negro e terror escrachado, filme é uma delícia e tem visual fantástico

Por: Rodrigo Carreiro

NOTA DO EDITOR:

Uma temporada de férias de um cineasta que se preparava para vôos mais altos, em plena neve dos Alpes. Foi dessa maneira que o espectador europeu assistiu ao excêntrico e belíssimo “A Dança dos Vampiros” (The Fearless Vampire Killer, Inglaterra, 1967), um filme que parecia surgir na filmografia do cineasta polonês Roman Polanski como uma mancha – de sangue! – em uma carreira imaculada e brilhante. O tempo faria justiça, contudo, à desconfiança com que a platéia mais cerebral recebeu a divertida viagem de Polanski ao mundo imaginário dos vampiros.

Para começar, não havia nada de férias no projeto para Polanski. Muito pelo contrário. Depois de realizar o independente “Repulsa ao Sexo” e virar um nome respeitado no cenário internacional, o cineasta conseguiu financiamento norte-americano para o novo longa e viu, nele, a chance de firmar de vez seu nome no cinema internacional. Por isso, cercou-se de grandes nomes, como o renomado fotógrafo Douglas Slocombe, para realizar um estranho coquetel de horror, comédia e aventura nonsense.

“A Dança dos Vampiros” é um grande filme, um longa-metragem tipicamente europeu, que busca distância dos rótulos fáceis e situa-se numa fronteira de gêneros muito difícil de ser trabalhada com naturalidade. A trama mostra um velho estudioso de ocultismo, o professor Abronsius (Jack McGowan, em interpretação hilariante), viajando até a Transilvânia para tentar comprovar a teoria de que os vampiros existem. Não há referências a Drácula, mas nem precisava.

Quando Abronsius, acompanhado do atrapalhado ajudante Alfred (Polanski, mostrando que também é um ótimo ator, com timing perfeito para a comédia), chegam ao destino, encontram duas coisas: uma estalagem onde vive a belíssima jovem Sarah Chagall (Sharon Tate, deslumbrante antes de casar com o diretor) e um castelo habitado por uma excêntrica família de vampiros, que inclui inclusive um jovem e louro chupa-sangue afeminado.

O filme equilibra com maestria os momentos de horror e comédia, amparado por uma fotografia espetacular, que valoriza em detalhes as lindas paisagens geladas dos Alpes, o rosto angelical de Sharon Tate e a bela arquitetura secular da região. O baile dos vampiros que responde pelo clímax do filme, particularmente, é uma seqüência capaz de provocar sorrisos no amante do cinema de humor negro, pela beleza e elegância com que foi realizado. Para quem tem dúvida de que Polanski é gênio, “A Dança dos Vampiros” é um ótimo antídoto.

09/05 - As Duas Vidas de Audrey Rose (Robert Wise)

2009-05-08T12:15:00.003-03:00

Neste Sábado dia 09 de Maio às 19:30hrs
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

Janice (Marsha Mason) e Bill Templeton (John Beck) são um casal que vive feliz com sua filha única, a bem-comportada pré-adolescente Ivy (Susan Swift). Essa imagem de família feliz começa a ser decomposta com a chegada do estranho Elliott Hoover (Anthony Hopkins). Depois de suspeitas de que ele pretende molestar sexualmente Ivy, Hoover tenta convencer aos pais que seu interesse (quase uma obsessão) pela garota é apenas paternal. Para ele, a menina é a reencarnação de sua filha, morta em um terrível acidente. Coisas estranhas começam a acontecer a partir desse momento.

Anthony Hopkins faz um sujeito rico e estudado que tenta convencer um casal (Marsha Mason e John Beck), em plena Nova York, capital do mundo, de que a filha deles é a reencarnação da sua própria filha, Audrey Rose, que morreu queimada em um acidente de carro.

Aparentemente, pouca gente levou o filme a sério, apesar do peso do nome de Wise, vencedor de quatro Oscars, diretor de A Noviça Rebelde/The Sound of Music, um dos maiores sucessos de bilheteria de todos os tempos, e do extraordinário Amor, Sublime Amor/West Side Story, para citar apenas duas obras de sua vasta filmografia - que inclui o trabalho de montagem de Cidadão Kane/Citizen Kane.

Já o AllMovie, numa crítica assinada por Craig Butler, dá importância ao filme. “Audrey Rose, parte do ciclo de filmes de terror dos anos 1970 causado pelo enorme sucesso de O Exorcista, é um exemplo mais inteligente, cheio de nuances, do gênero - o que é ao mesmo tempo sua bênção e sua maldição. Robert Wise o dirigiu numa maneira relativamente suavizada, mas ainda assim tem diversos momentos apavorantes. Trabalhando sobre um roteiro muito palavroso - e que tenta discutir racionalmente o conceito de reencarnação ao mesmo tempo em que mantém uma atmosfera de horror -, Wise inteligentemente faz das palavras uma vantagem. Mantém o foco no diálogo - ou, muitas vezes, monólogo -, enquanto sutilmente dá grande ênfase aos movimentos para criar tensão ou suspense. Wise também dá ao filme um estilo visual, e a cena do homem de neve na escola é particularmente bem feita. Ele é ajudado pela atuação intensa, cheia de dor, de Anthony Hopkins, e pela mudança impressionante por que passa Susan Swift no papel título.”

Título no Brasil: As Duas Vidas de Audrey Rose
Título Original: Audrey Rose
País de Origem: EUA
Gênero: Terror
Tempo de Duração: 113 minutos
Ano de Lançamento: 1977
Site Oficial:
Estúdio/Distrib.:
Direção: Robert Wise

25/04 - Faces (John Cassavetes)

2009-04-22T12:52:00.003-03:00

Neste Sábado dia 25/04 às 19:30hrs
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

Cinema do corpo, espelho da alma

A entrada em Faces é uma experiência abismal: depois de uma seqüência inicial um tanto metalingüística e quase deslocada (mas nem tanto) da narrativa subseqüente, somos jogados no meio de uma seqüência noturna em que dois homens e uma mulher saem do “The Loser’s Club” (que nome, que nome!!...), e vão para a casa dela. Lá, embriagados, se envolvem numa longuíssima seqüência de sedução e repulsa, onde muito aos poucos vamos entendendo os laços que unem (ou não) cada um deles. A seqüência é longa, mas os planos são curtíssimos, instáveis ao extremo: cortes rápidos, quebras constantes (e propositais) de eixo, aproximações extremas nos rostos misturadas com planos abertos, pequenas elipses. Uma leitura apressada falaria de uma “câmera bêbada” como os personagens, mas muito mais do que uma questão de embriaguez, a inquietude da câmera de Cassavetes é reflexo do desconforto dos personagens (a princípio um desconforto lido pela situação em si, mas que, ao longo do filme, veremos se tratar de um desconforto muito mais profundo, existencial mesmo).

Esta primeira seqüência, agressiva e confusa (ambos efeitos absolutamente propositais), estabelece um desafio ao espectador: “ame-me ou deixe-me”. O filme ali deixa claro para o espectador que não pretende facilitar sua fruição, nem no que tange a linguagem, nem especialmente no que tange o retrato das relações humanas. Trata-se, neste sentido, de ato até generoso: Cassavetes estabelece bem cedo suas regras, e permite ao espectador que tome por si a decisão de comprá-lo ou não. Aos que optarem por comprar, Faces oferece uma viagem às profundezas do ser humano, principalmente a partir das relações de gênero, amorosas e sexuais – e neste sentido o filme não poderia ser mais representativo do seu ano de produção (1968), antecipando muito do debate sobre os papéis da mulher que dominaria os EUA na década seguinte.

Nesta viagem, Cassavetes demonstra uma disposição cada vez mais rara no cinema que o sucedeu (em especial, o dito cinema independente americano, do qual foi eleito postumamente como o “papa e fundador”, mas que tão pouco deve a ele no geral): tornar ternura e agressividade, fragilidade e poder, desesperança e transcendência pólos não apenas próximos, como convivendo sempre nos mesmos corpos. Corpos, sim: porque embora o filme se chame Faces e realmente tenha alguns dos mais marcantes closes em rostos humanos vistos no cinema (especialmente os de Richard Morley e Lynn Carlin – estupendos – mas no de todos os atores), todo o jogo do filme é uma questão de corpos em movimento. Talvez fosse mais adequado falarmos mesmo corpos (nada celestes) em órbita, porque cada um deles parece gerar um campo gravitacional em torno de si, constantemente atraindo e repelindo os outros. Não por acaso os primeiros beijos entre Morley e Gena Rowlands mais parecem uma colisão entre dois objetos animados do que exatamente um encontro “amoroso” entre dois seres humanos. Trata-se menos da expressão de um desejo do que a simples concretização de uma força maior que ambos, que os empurra em direção ao outro. O mesmo acontecerá mais adiante nas cenas entre Seymour Cassell e Carlin, no apartamento desta – tanto na sedução como na impressionante seqüência da reanimação dela, em que poucas vezes vimos o peso de um corpo filmado com tanta força.

Tudo isso vai culminar na seqüência, e especialmente no plano final, em que os corpos de Morley e Carlin parecem mesmo atrair e repelir um ao outro seguidamente, como se eles mesmos não dominassem mais seus atos, seus impulsos, seu desejo do carinho, do entendimento, mas também da fuga, da liberdade, da recusa. Este plano final, inclusive, serve como antítese a todas as idéias mais simplórias do cinema de Cassavetes como um do domínio do improviso: um plano longo, de enquadramento fixo e estudadíssimo para atingir o máximo efeito das entradas e saídas de quadro, da relação de profundidade e mudança de altura através da escada. Plano para o qual todo o filme converge, mostrando que o cinema de Cassavetes é um do planejamento, ainda que um planejamento que incorpora a matéria-viva do cinema (ou seja, os atores – mas também a câmera) como partes criadoras de um sentido já muito pensado.

É aí que o cinema de Cassavetes se aproxima do de um Rohmer, que assim como ele (embora em registro visual e dramático absolutamente distinto, pelo menos após O Signo do Leão) se aproveitava de um determinado “efeito de real”, só que atingido a duras penas (através de uma exploração altamente estudada de progressão dramática e linguagem muitas vezes teatral – este último aspecto muito mais em Cassavetes, é verdade, especialmente notável, não só pelo tema, em Noite de Estréia). Só que este efeito de real, muito mais do que “fotocopiar” a vida, busca transcendê-la pela sua hiper-utilização, pela sua exacerbação, nos permitindo o sentimento essencialmente artístico do êxtase da percepção. Ou seja: tudo aquilo que um determinado cinema “sanguessuga do mundo real” (pensamos hoje especialmente em Na Cama, cuja trama inclusive possui paralelos com a de Faces) não consegue sequer compreender, que dirá solucionar cinematograficamente. Em Faces, muito mais do que apenas (apenas?) uma compreensão profunda dos dilemas humanos frente a incompletude e beleza inerentes aos encontros e relações amorosas, temos ao trabalho um mestre da arte cinematográfica no ápice do seu domínio da linguagem que resolveu explorar. Não é pouca coisa.

por Eduardo Valente.

Direção: John Cassavetes Ano: 1968 País: Estados Unidos Gênero: Drama Duração: 130 min. / p&b Título Original: Faces Elenco: John Marley, Gena Rowlands, Lynn Carlin, Seymour Cassel, Fred Draper, Dorothy Gulliver, Jerry Howard, Carolyn Fleming, Don Kraatz, Val Avery Sinopse: O enredo do filme reflete as insatisfações da classe média americana e a falência da instituição familiar a partir de uma trama de troca de casais.

28/03 e 04/04 - Smoking/No Smoking (Alain Resnais)

2009-03-26T18:48:00.002-03:00

Nos dias 28/03 e 04/04 às 19:30hrs
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

As consequências de uma dona de casa fumar ou não um cigarro ramificam-se numa dúzia de destinos separados e universos paralelos, cada um com sua própria conclusão, nesses dois longas franceses de Alain Resnais. Adaptado e traduzido de seis das oito peças cômicas que compreendem o ciclo Intimate Exchanges do autor inglês Alan Ayckbourn, eles podem ser assistidos juntos ou sozinhos, e em qualquer ordem. O projeto, um tour de force para dois atores, interpretando múltiplos papéis (Pierre Arditi e Sabine Azema), foi um sucesso de bilheteria quando lançado na França em 1993, e como uma unidade os dois filmes varreram os Cesars (o Oscar francês) de melhor filme, diretor, ator, e cenografia.

Título original: Smoking/No Smoking
Realização: Alain Resnais
Intérpretes: Sabine Azéma, Pierre Arditi França, 1993

14-03 - Bande à Part (Jean-Luc Godard)

2009-03-13T16:55:00.003-03:00

Neste Sábado dia 14-03-2009 às 19:30hrs
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

"Bande à Part" (1964 - 92m)

SINOPSE
"As personagens de Godard vivem como se estivessem (ou talvez como se vivessem) num filme: Cantam e dançam como se vivessem num musical, percorrem Paris como se estivessem num filme noir, disparam como se estivessem num western." -Luis Miguel Oliveira, Cinemateca Portuguesa

Pondo alegremente em prática a máxima de D. W. Griffith - "para fazer um filme basta uma garota e uma arma" - BANDE À PART é a homenagem de Godard aos filmes policiais da Hollywood dos anos 40. Frantz e Arthur, dois amigos porras loucas habituados a meter-se em embrulhadas, conhecem a tímida Odile (interpretação extraordinária de Anna Karina, à época mulher e musa de Godard), que lhes conta que a sua tia Victoria e um amigo, o sr. Stolz, escondem em casa uma avultada soma de dinheiro. Frantz e Arthur começam imediatamente a planejar um roubo. Enquanto acompanhamos as deambulações deste trio improvável pelos cafés e ruas de Paris, cresce a suspeita de que o golpe que preparam não vai correr de acordo com o plano. Com fotografia de Raoul Coutard e música de Michel Legrand, BANDE À PART, é um dos mais famosos filmes do cineasta franco-suíço, tem algumas das mais antológicas cenas da história do cinema, nomeadamente a sequência da dança no café que inspirou Quentin Tarantino em "Pulp Fiction" e Hal Hartley em "Simple Men", além da corrida pelo Louvre homenageada por Bertolucci em "Os Sonhadores"

DIRETOR
Jean-Luc Godard

INTÉRPRETES
Anna Karina, Danièle Girard, Louisa Colpeyn, Chantal Darget, Sami Frey, Claude Brasseur, Georges Staquet, Ernest Menzer, Jean-Claude Rémoleux.

CICLO DE FÉRIAS - FAÇA CHUVA OU FAÇA LUA - 19 a 23/01

2009-01-13T10:19:00.005-02:00

CICLO DE FÉRIAS
Faça Chuva ou Faça Lua
De 19 a 23/01 às 20:30hrs no SESC Cascavel

19/01

20/01

21/01

22/01

23/01

PARA RECEBER AS SINOPSES MANDE UM EMAIL PARA
cineclubesilenzio@gmail.com

CICLO AO LUAR (Desta vez vai)

2008-12-15T13:53:00.001-02:00

DE 15 a 19 de Dezembro às 20:30hrs

COMEÇA HOJE (15/12) O CICLO AO LUAR COM O FILME CANTANDO NA CHUVA ÀS 20:30HR no SESC

A SEMANA SEGUE COM OS FILMES:

O PICOLINO
O MÁGICO DE OZ
NÚPCIAS REAIS
E UM FILME SURPRESA NA SEXTA-FEIRA

VENHAM TODOS CURTIR UM "PRÉ-NATAL" COM UM CLÁSSICO À LUZ DO LUAR.

ABRAÇOS

CICLO AO LUAR - DE 08 a 12 de Dezembro

2008-12-05T22:52:00.003-02:00

DE 08 a 12 de DEZEMBRO (segunda a sexta) às 20:30h no SESC

1- CASABLANCA
(Casablanca, 1942)

Rick é dono de um famoso bar localizado em Casablanca, no Marrocos Francês, durante a Segunda Guerra Mundial. A cidade é rota de fuga para quem deseja evitar os nazistas, onde passes livres são vendidos por um salgado preço no mercado negro. Neste caótico ambiente, Rick encontra Ilsa, com quem tivera um amor interrompido inesperadamente há algum tempo, em Paris. Vencedor do Oscar de Melhor Filme, Diretor e Roteiro, possui ainda uma das mais belas canções já compostas para um filme, "As Time Goes By".

2 - O PICOLINO
(Top Hat, 1935)

Um bailarino é contratado para estrelar um musical. Em meio aos ensaios, ele conhece e se apaixona por uma bela mulher. Porém, o romance entre os dois é interrompido porque ela pensa que o bailarino é noivo de sua amiga. Com Fred Astaire e Ginger Rogers. Recebeu 4 indicações ao Oscar

3- CANTANDO NA CHUVA
(Singin' the Rain, 1952)

Em 1927, Hollywood está um verdadeiro rebuliço, com a transição do cinema mudo para o falado. Don Lockwood (Gene Kelly) e Lina Lamont (Jean Hage), o casal mais querido do cinema mudo, prepara-se para rodar um musical. Mas infelizmente Lina não só não sabe cantar, como tem uma voz horrível. A estreante Kathy Selden (Debbie Reynolds) é chamada a emprestar sua voz à estrela. As gravações são uma confusão, mas tudo piora quando Don se apaixona pela doce Kathy. Ao lado de seu inseparável amigo, o compositor Cosmo Brown (Donald O' Connor), ele tenta mostrar ao mundo o talento de Kathy

4- O MÁGICO DE OZ
(The Wizard Of Oz, 1939)

(The Wizard Of Oz, 1939) Nós batemos nossos saltos na expectativa. Não há lugar como o lar e nenhum filme como este. De geração para geração, O Mágico de Oz nos mantém unidos - crianças, adultos, famílias, amigos. A impressionante terra de Oz, um mundo de sonhos que viram realidade, de florestas encantadas, espantalhos dançantes e leões cantates, uma mágica aventura recheada de maravilhosas canções. Baseado na preciosa série de livros de L. Frank Baum, O Mágico de Oz foi julgado o melhor filme familiar de todos os tempos pelo American Film Institute. E essa restauração nunca vista antes parece e soa melhor do que antes. Nós convidamos você para embarcar rumo a Cidade Esmeralda na mais famosa estrada da história do cinema. Dorothy (Judy Galard), Espantalho (Ray Bolger), Homem-de-Lata (Jack Haley) e Leão Covarde (Bert Lahr) esperam por você na Estrada dos Tijolos Amarelos e Over The Rainbow.

5- NÚPCIAS REAIS
(Royal Wedding, 1951)

Dois irmãos bem distintos, ele sério e ela baladeira, embarcam para Londres para um importante show. As diversões da irmã colocam em perigo o sucesso da dupla.

08/11 - Bem-vindo a Casa de Bonecas (Todd Solondz)

2008-11-03T10:54:00.003-02:00

Neste Sábado dia 08/11 às 19:30h
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

Título Original: Welcome to the Dollhouse
Gênero: Comédia Dramática
Tempo de Duração: 89 minutos Ano de Lançamento (EUA): 1995
Site Oficial: www.spe.sony.com/classics/welcome/index.html
Estúdio: Suburban Pictures
Distribuição: Sony Pictures Classics
Direção: Todd Solondz
Roteiro: Todd Solondz
Produção: Todd Solondz
Música: Jill Wisoff
Fotografia: Randy Drummond
Desenho de Produção: Susan Block
Direção de Arte: Lori Solondz
Figurino: Melissa Toth
Edição: Alan Oxman

Elenco
Heather Matarazzo (Dawn Wiener)
Matthew Faber (Mark Wiener)
Daria Kalinina (Missy Wiener)
Brendan Sexton III (Brandon McCarthy)
Eric Mabius (Steve Rodgers)
Will Lyman (Sr. Edwards)
Rica Martens (Sra. Grissom)
Dimitri DeFresco (Ralphy)
Stacey Moseley (Mary Ellen Moriarthy)
Herbie Duarte (Lance)
Telly Pontidis (Jed)
Christina Brucato (Cookie)
Victoria Davis (Lolita)

Sinopse Dawn Weiner (Heather Matarazzo) não tem motivos para gostar da escola, na qual estuda na sétima série. Ela é uma adolescente complexada e há motivos para isto. No seu colégio é ridicularizada pelos colegas, que a chamam de "Salsicha", e seu relacionamento com sua família não é dos melhores. Ela deseja ser aceita de qualquer jeito e para isto planeja namorar um rapaz mais velho, que é muito popular, apesar disto ser totalmente improvável.

Depois de assistir a “Bem-vindo à Casa de Bonecas” (Welcome to the Dollhouse, EUA, 1995) e dar uma boa olhada numa foto do seu diretor, Todd Solondz, é inevitável pensar no quanto o filme contém de autobiográfico. Trata-se, afinal, de um retrato demolidor da família típica norte-americana, centrada no figura de uma pré-adolescente estilo “patinho feio”, que é uma descrição muito apropriada para a figura mirrada de óculos fundo-de-garrafa que é o diretor. Impressiona, sobretudo, a enorme crueldade com que Solondz trata sua personagem principal, expondo sem piedade sua agonia desesperada para ser ouvida por alguém, qualquer pessoa, ainda que para isso precise passar por situações constrangedoras e/ou humilhantes.

Nesse sentido, o relacionamento mais esclarecedor do filme é aquele que une a protagonista Dawn (Heather Matarazzo) e o colega de classe Brandon (Brendan Sexton III). Ambos têm na faixa dos 13 anos e são solenemente desprezados pelos amigos. Brandon, menino cheio de hormônios, decide que a melhor maneira de romper a casca que o separa do resto do mundo é humilhando com violência a única pessoa que conhece a estar situada abaixo dele na escala de desprezo do colégio – e esta pessoa é Dawn. Então, como se despreza alguém aos 13 anos? Com ameaças de surras e estupros.

Ocorre que Dawn, agônica e irascível, está a aponto de explodir de tanta frustração solitária. Ninguém lhe entende, ninguém lhe dá atenção. Dentro da própria família, ela é um zero à esquerda. A irmã mais nova (Daria Kalinina) é a bonita e o irmão mais velho (Matthew Faber), o inteligente; o que lhe resta é o rótulo invisível de “burra e feia”. Os pais lhe ignoram. Ela é uma das piores alunas da turma, se veste mal, tem o rosto cheio de espinhas e está acima do peso, o que significa virar alvo de chacota e piadas constantes dos colegas de colégio e até dos familiares. Dawn está disposta a tudo para arrumar companhia. Talvez até mesmo se deixar ser estuprada. A amizade que surge entre ela e Brandon é tortuosa, mas sincera. É a amizade de duas almas incompreendidas.

“Bem-vindo à Casa de Bonecas” é um retrato cáustico e cruel do isolamento social a que os indivíduos que não se encaixam nos padrões ditos “normais” são submetidos. A partir da virada entre os anos 1980 e 1990, talvez a partir da pequena pérola “Sexo, Mentiras e Videotape” (1998, de Steven Soderbergh), o cinema independente produzido nos EUA revelou uma série de bons cineastas dedicas a desmontar a hipocrisia da família norte-americana, como uma criança faria com um Lego. Terry Zwigoff (“Ghost World”) e Paul Thomas Anderson (“Magnólia”) são alguns desses nomes que filmam o que há por trás da aparência de normalidade das casa de subúrbio em que vivem os perseguidores do “sonho americano”. Solondz é o mais radical deles.

A habilidade deste diretor nascido e criado em Nova Jersey, nos arredores de Nova York, é inquestionável. A narrativa de “Bem-vindo à Casa de Bonecas” é limpa e sem gorduras, o texto é cru e ácido, os diálogos são inteligentes. Filmado em locações reais e com um orçamento menor do que US$ 1 milhão, o segundo longa-metragem do cineasta exala espontaneidade e crueza, transitando numa terra de ninguém entre o cômico e o trágico, de forma que o filme em geral soa melancólico e amargo, mas com um forte cheiro de comédia.

Solondz tem sido muitas vezes questionado e criticado por submeter seus personagens a situações de grande crueldade, sem deixar transparecer, como outros cineastas, nenhum afeto por eles. Gostar ou não desse tipo de abordagem é algo pessoal, mas não há como negar que a voz de Todd Solondz é uma das mais altas a gritar contra a alienação social nos EUA, o que o transforma inevitavelmente em porta-voz dos socialmente isolados. Vindo de um sujeito magrelo e feioso, não é muito difícil imaginar que o filme contém muito da experiência pessoal de Solondz, curiosamente um cineasta que não circula em Hollywood e permanece bastante isolado dos seus pares, como um Dawn do sexo masculino e na idade adulta. Isso é curioso, e certamente põe o diretor numa posição peculiar e interessante. Quem gosta de cinema transgressor deveria dar uma espiada atenta nos filmes dele.

“Bem-vindo à Casa de Bonecas” foi lançado no Brasil nos cinemas, em 1996, e exibido em circuito restrito às salas de arte. Jamais saiu em DVD. Nos EUA, a edição existente é da Columbia, e contém apenas o filme (imagem em formato wide anamórfico 16:9 e som em Dolby Digital 2.0) com um trailer como único extra.

- Bem-vindo à Casa de Bonecas (Welcome to the Dollhouse, EUA, 1995) Direção: Todd Solondz Elenco: Heather Matarazzo, Matthew Faber, Daria Kalinina, Brendan Sexton III Duração: 89 minutos

01/11 - A Troca (Peter Medak)

2008-10-27T10:08:00.002-02:00

Neste Sábado dia 01/11 às 19:30h
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

Desde a trágica morte de sua família, o compositor John Russell (George C. Scott), abandonou Nova Iorque e agora vive numa casa solitária na esperança de continuar compondo e encontrar a paz. Enquanto ele aprecia o silêncio e solidão de sua nova residência, ele começa a ver constantemente o corpo de um jovem rapaz. Nas suas pesquisas pela casa, ele descobre uma entrada secreta para um antigo quarto de criança, que permaneceu esquecido durante muito tempo. Nele, John encontra uma cadeira de rodas e uma caixinha de música e sente que alguma coisa terrível deve ter acontecido neste quarto. Possivelmente, devido ao seu trauma, ele está aberto a se comunicar com os espíritos ocupantes da casa e tenta fazer contato através de um médium. A sinistra sessão espírita revela um acontecimento que permaneceu, até então, em segredo...

Gênero	Suspense/ Terror
Atores	George C. Scott, Trish VanDevere, Melvyn Douglas, John Colicos, Jean Marsh, Barry Morse, James Douglas, Madeleine Thornton-Sherwood, Roberta Maxwell, Bernard Behrens,
Direção	Peter Medak,
Idioma	Inglês,
Legendas	Português
Ano de produção	1979
País de produção	Estados Unidos,
Duração	115 min.

Sem Sangue, sem CGI

Vander Colombo

Desta vez devo-lhe fazer uma confissão: Não, o diretor do filme desta semana não é um grande diretor. Na verdade, Peter Medak até fez algumas coisas capazes de envergonhar o dúbio título dos convocados ao “Masters of Horror” da Multishow.

Aí chega a hora de você se perguntar: “Ta, e por que diabos escalou um filme do cara pra essa semana?” E lhe respondo, porque A Troca, é um filme ímpar na estante dos filmes de terror em língua inglesa. Primeiro, porque o filme não tem uma única gota de sangue e um único efeito especial “off camera” ou seja, não há um único efeito que foi realizado em cima da imagem posteriormente, todos eles foram habilmente feitos apenas com trucagens de câmera.

“Ok, Vander, Drácula e Frankenstein de 1931, Nosferatu e muitos outros filmes também foram feitos assim” Sim, lógico que por necessidade, mas é verdade, porém a Troca não é um filme de monstro, mas um filme de fantasmas feito em 1979, isso é, depois de Tubarão e Guerra nas Estrelas, sendo que depois desses filmes o “ó do borogodó” era encher o filme de efeitos especiais até o talo (lembra de Poltergeist?) aliás, “era” é bondade minha, ainda o é (lembra de qualquer um dos últimos filmes que assistiu no shopping?).

Em A Troca, George C. Scott é um compositor que após a morte da família muda-se para um grande casa, onde pouco a pouco começa a perceber estranhezas. O compositor aos poucos vai tentando decifrar o que ele mais tarde acredita ser uma mensagem. E é justamente aí que o filme torna-se mais interessante que pencas de outro do gênero, pois ao invés de segurar a platéia com banhos de sangue, ele a faz participar da investigação com todo o interesse possível, e convenhamos isso não é das coisas mais fáceis em filmes do estilo, até porque a “entidade” não é um professor de literatura antiga evocando clássicos como A Divina Comédia ou fazendo enigmas à luz de Aristóteles, mas simplesmente um interlocutor com segredos inquietantes.

E afinal será Halloween, um feriado que não comemoramos e nem fazemos feriado, mas graças aos enlatados dominamos. E Halloween é sinônimo de serial killer, que aliás também não temos por aqui, fantasmas dizem que tem em todo lugar e parece que não foram patenteados, o que nos dá uma sensação maior de participação na trama (A que ponto chegamos quando para nós o sobrenatural é o mais próximo possível do verossímil?).

A Troca se não for um filme que estimule a inteligência é no mínimo um estímulo à sua criatividade dedutiva. Vez ou outra é interessante não somente “assistir” um filme, mas “observa-lo” no sentido ativo do verbo. Digamos que na categoria de filmes de gênero isso tem sido de uma raridade similar a conseguir conversar com um fantasma.

O filme “A Troca” será exibido neste sábado dia 01/11 às 19:30h

No SESC Cineclube Silenzio.

A entrada é gratuita

25/10 - Gritos e Sussurros (Ingmar Bergman)

2008-10-24T10:07:00.003-02:00

Neste Sábado dia 25/10 às 19:30h
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

Um dos filmes mais perturbadores do mestre Ingmar Bergman, Gritos & Sussurros é apresentado, pela primeira vez no Brasil, em versão restaurada e remasterizada no formato widescreen, que resgata em todo seu esplendor a belíssima fotografia do genial Sven Nykvist, premiada com o Oscar da categoria. Numa casa de campo, Agnes recebe, à beira da morte, os cuidados de suas duas irmãs e de uma dedicada empregada da família. Neste ambiente claustrofóbico, acompanhamos as imaginações, lembranças e frustrações destas quatro mulheres. Indicado a 5 Oscar, incluindo Melhor Filme e Direção, Gritos & Sussurros é obra-prima de uma riqueza infinita, obrigatória na coleção de todo cinéfilo.

Gênero	Arte
Atores	Liv Ullman, Ingrid Thulin, Harriet Andersson, Kari Sylwan, Erland Josephson,
Direção	Ingmar Bergman,
Idioma	Sueco,
Legendas	Português,
Ano de produção	1972
País de produção	Suécia,
Duração	106 min.

Estou morta, mas não consigo dormir.

Vander Colombo.

Dizer que o texto vai de encontro a Ibsen ou mesmo Tchecov, seria minimizá-lo. Não fosse o fato da humanidade não imortalizar seus contemporâneos, Ingmar Bergman estaria no mesmo patamar de seus dois antecessores, sem tirar ou pôr.

Na época que começava a produção de Gritos e Sussurros, Bergman dava instruções aos seus companheiros de set, de que aquilo não era uma história, era um sentimento, aquilo não era uma casa, mas o interior de uma alma fragilizada. Por conta disso o vermelho que iria dominar o filme junto ao branco e negro, era tão somente como a membrana úmida que segundo Bergman cobria esta mesma alma.

O universo é feminino, suas atrizes já declaravam que Bergman talvez entendesse melhor este universo que as próprias mulheres. E o sentimento, bom, primeiramente como poderia eu traçar a sinopse de um sentimento..., porém, comum à obra bergmaniana, o sentimento é resultante da fé versus o vazio divino. Desumanização graças aos ranços da moral religiosa. Bergman em sua filmografia nos faz desconfiar de pessoas que falam demais de Deus... E, se analisamos ao redor, vemos que a informação não passa ao largo da realidade. Pessoas que se escondem em maneirismos, repreendendo suas próprias frustrações, desejos e taras (quando não para atingirem seus objetivos sejam eles financeiros, políticos ou de escalada social), perdem sua humanidade mascarando-a em sentimentos infinitamente piores como falsidade, hipocrisia e crueldade avalizados pelos textos bíblicos.

A três irmãs apresentadas em Gritos e Sussurros encaixam-se nesta conveniência hipócrita, evitando ao máximo transmitir ternura, limitando-se a declará-la em frases átonas.

Uma das irmãs, doente terminal, é talvez a que tenta em vão extrair essa humanidade petrificada das duas outras, mas a única ternura vem da ama que perdera o rebento, e assim como o leite que se esvai de um peito sem filhos pra alimentar, ela dedica seu carinho a essa mulher crescida.

As poucas figuras masculinas que figuram são hediondas, ríspidas, os chamados “varões” que de tão brutalizados (como figuras masculinas típicas da bíblia) perdem a própria dignidade num jogo egótico, utilizando-se das três como peões, que aí, como manda a cartilha, desprendem um amor romântico formalizado.

Esta alma expressa por Bergman é claustrofóbica e pulsante, parecendo cada vez mais se fechar sobre elas, uma alma que conforme se retrai, parece petrificar gerando uma angústia inversamente proporcional. Sua “membrana” belissimamente fotografada pelo gênio Sven Nykvist traduz em cores e luz toda a complexidade da mente etérea do diretor.

Bergman ganhou da crítica o título de deus, mas Bergman não era divino, até porque o adjetivo lhe seria ofensivo. Ao contrário, possuía um humanismo e uma noção de fraternidade que muitos santos dariam a auréola para ter, ainda mais em tempos em que se fala da beatificação de Pio XII.

O filme “Gritos e Sussurros” será exibido neste sábado dia 25/10 às 19:30h

No SESC Cineclube Silenzio.

A entrada é gratuita.

18/10 - O Vídeo de Benny (Michael Haneke)

2008-10-15T22:20:00.003-03:00

Neste Sábado dia 18/10 às 19:30h
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

Adolescente de família rica, Benny compensa a ausência dos pais com as emoções do mundo dos vídeos. Aos poucos, sem que as pessoas percebam, seus valores e noções de realidade começam a mudar. Aproveitando que seus pais estão no campo, ele leva uma garota para passar o final de semana no apartamento. O que começa como um tímido 'love story' termina em catástrofe. A vida da família nunca mais será a mesma.

diretor Michael Haneke roteiro Michael Haneke fotografia Christian Berger música J. S. Bach elenco Arno Frisch, Angela Winkler, Ulrich Mühe, Ingrid Strassner produtora Vega, Filmproduktion GmbH. Longa-metragem - 105 min. minutos Col.

O que segue é desaconselhável para menores de 10 anos.

Vander Colombo

"A violência está em todo lugar,

não é por causa do álcool, nem é por causa das drogas.

A violência é nossa vizinha,

não é só por culpa sua, nem é só por culpa minha,

violência gera violência"

(Titãs - Música: Violência –

Álbum: Jesus Não Tem Dentes No País dos Banguelas, 1990)

A vítima é uma garota de 15 anos. Morta com vários disparos de pistola de ar comprimido, a mesma arma usada no abate de animais. O autor dos disparos, um garoto da mesma idade, filho de um de um grande empresário da cidade. O garoto filmou a morte da menina, diz-se que incentivado pela exposição demasiada a filmes violentos.

O que parece uma daquelas notícias que se vê todos os dias nos jornais é a premissa básica do filme O Vídeo de Benny do austríaco Michael Haneke. Aliás, Haneke não fez apenas um estudo sobre a violência, mas quase que uma filmografia toda recorrendo ao embasamento de nomes como Locke, Hobbes, Foucault entre outros. Na verdade cada um de seus filmes fala de algum tipo de violência, seja ela física ou psicológica. A trilogia da incomunicabilidade (que além desse, conta com O Sétimo Continente e 71 Fragmentos de uma Cronologia do Acaso que falam respectivamente de um pai de família que num momento de dificuldade lentamente organiza seu suicídio e a morte da família, e de uma amalgama de cenas de vida aparentemente desconectadas que são afetadas pelas notícias de jornais televisivos.) juntamente com títulos como Violência Gratuita (que recentemente foi refilmado pelo próprio diretor nos EUA), A Professora de Piano e O Tempo do Lobo conseguem fazer uma grande tese sobre a violência moderna recorrendo tão pouco a cenas de violência gráfica que deve enrubescer diretores que se dedicam a mesma função fazendo espetáculos gore.

Porém, nenhuma das abordagens de Haneke são simples ou diretas como a premissa do primeiro parágrafo indica. O diretor está mais preocupado em fazer cada espectador fazer sua própria teoria do que tentado explicar a gênese da violência como conhecemos. Seria fácil dizermos que Benny cometeu assassinato por gostar de filmes violentos como comumente a televisão de nossas Américas gosta tanto de fazer, entretanto, algo que Haneke bate forte sem julgar é a indiferença dos pais que se orgulham da liberdade dada aos filhos, ao se unir os dois motivos mais nítidos nasce o vídeo preferido de Benny que mostra a morte de um porco, filmado por ele mesmo numa das fazendas do pai, neste caso pode-se ter um entendimento da auto-crítica de Haneke perante os cineastas e a liberdade ditatorial de impor seu ângulo de visão aos seus espectadores.

Haneke sabe como poucos que a violência inerente exposta em ficção por vezes funciona como alerta, dependendo de como ela é explorada. E sua principal crítica à mídia de um modo geral é a violência real sendo tratada pejorativamente, principalmente em tele-jornais.

Por conta disso, se pensarmos de um modo amplo a crítica pode ser levada à própria piada de avisos antes da novela que a mesma é desaconselhável a menores de 12 anos, não diminuindo um único ponto de Ibope já que poucas crianças assistem à novela das nove, enquanto programas regionais durante o almoço mostram jornalistas pregando mensagens nazi-fascistas disfarçadas de conservadorismo, mostrando entre um corpo crivado de balas e outro decapitado, comerciais de brinquedos e apresentadores “engraçadões”, sem uma única mensagem correndo no piso da tela dizendo que toda essa atrocidade midiática ao menos não representaria a opinião da emissora. Uma simples questão de liberdade versus responsabilidade.

O filme O Vídeo de Benny será exibido dia 18/10 às 19:30h

No SESC Cineclube Silenzio.

A entrada é gratuita.

11/10 - O Túmulo dos Vagalumes

2008-10-09T10:43:00.003-03:00

Neste Sábado dia 11/10 às 19:30h
No SESC Cinclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

O Túmulo dos Vagalumes
(Hotaru No Haka, 1988)

» Direção: Isao Takahata
» Roteiro: Akiyuki Nosaka (romance), Isao Takahata
» Gênero: Animação/Drama/Guerra
» Origem: Japão
» Duração: 93 minutos
» Tipo: Longa

» Sinopse: Uma trágica história sobre dois irmãos - Setsuko e Seita - que vivem no Japão durante a época da guerra que, após tornarem-se órfãos por causa do conflito (sua mãe morreu e seu pai está desaparecido), vão parar na casa de parentes. As coisas pioram quando acabam tendo que ir viver em um abrigo no meio do mato. Quando Setsuko, a irmãzinha caçula, adoece gravemente, seu irmão deve se virar para conseguir ajuda para a menina, mas os tempos são difíceis e mesmo um pouco de comida pode ser difícil encontrar.

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"Por que os vaga-lumes tem de morrer tão depressa?"

Vander Colombo

“Os filmes japoneses têm a beleza suspeita de alguns cadáveres.

Fica-se, às vezes, pasmo de tanta crueldade.

Procura-se a fonte na longa intimidade com o sofrimento...”

Chris Marker

Tinha prometido para mim mesmo que este ano escalaria uma animação para o cineclube, até para tirar aquela idéia de que animação é coisa de criança, dada a preponderância das obras da Disney em nosso mercado cascavelense de Home Vídeo.

A história vem mudando até porque as animações em 3D de estúdios como a Pixar tem mudado essa história e atingindo até mais adultos do que as crianças que os acompanham. Porém os mestres da 2D ainda são os japoneses. Devo confessar que não sou lá um entusiasta do anime em capítulos, por vezes lembram-me novelas. Mas é preciso admitir que não só a arte nipônica do desenho animado como a profundidade psicológica de suas personagens são incomparáveis. De um modo geral, os animes são frutos de mangás (histórias em quadrinhos japonesas) ou hentai (histórias em quadrinhos japonesas eróticas), e generalizando tratam de samurais/lutadores de artes marciais com superpoderes, colegiais excitadas ou bichinhos fofinhos que causam ataques epiléticos.

A história muda em grandes clássicos da animação japonesa como Akira, A Viagem de Chihiro e este O Túmulo dos Vagalumes. Este último, de 1988, dirigido por um dos mestres da animação Isao Takahata. O Túmulo dos Vagalumes conta a história de Seita e Setsuko, dois irmãos sozinhos em plena Segunda Guerra Mundial, o pai, lutando pela marinha está desaparecido, a mãe morreu num bombardeio, a partir daí Takahata traça um conto de fadas que rara vezes se viu, seja em animação ou live action, bater tanto às portas da realidade nua e crua, a história não poupa as duas crianças das mazelas do tempo de guerra.

Um nó na garganta que dure dias não é incomum ao final do filme, tanto que muitas pessoas declaram terem adorado o filme, mas evitam assisti-lo novamente, tamanha a crueldade exercida sobre o olhar infantil ao fitar a guerra, porém nada é em exagero, nada é inverossímil, nada é gratuito.

A tristeza e a crueldade segundo a poesia cinematográfica de Chris Marker, Sans Soleil, é explicada por Bashô ainda no Séc. XV: "O salgueiro enxerga invertida a imagem da garça", uma maneira de se libertar dos próprios horrores de Hiroshima e Nagasaki, e “Para exorcizar o horror que tem rosto e nome, é preciso conceder-lhe outros atributos (...) e exigir que até a dor se enfeite”. Por conta disso, a “beleza suspeita dos belos cadáveres” reside nas cores fortes, nos olhos grandes e distantes do olhar estreito oriental, mas transmite as mesmas verdades que outrora outros ideogramas já relatavam. O horror agora sem rosto ou nome declarado ainda tem garras, ainda presas, só lhe falta a etiqueta vertical. Só nos comprova que olhos redondos ou apertados apesar da cultura heterogênea, carpem-se da mesma maneira.

“Para nós, o sol só é sol se estiver brilhante;

Uma fonte só a é, se for límpida.

Aqui, adjetivar equivale a colocar nas coisas etiquetas com seus preços,

A poesia japonesa não qualifica.”

Idem.

O filme “O Túmulo dos Vagalumes” será exibido dia 11/10 às 19:30h

No SESC Cineclube Silenzio. A entrada é gratuita.

04/10 - Velvet Goldmine (Todd Haynes)

2008-09-30T22:41:00.003-03:00

Neste Sábado dia 04/10 às 19:30h
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

Ficha Técnica
Título Original: Velvet Goldmine
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 123 minutos
Ano de Lançamento (Inglaterra): 1998
Estúdio: Channel Four Films / Miramax Films / Killer Films Distribuição: Miramax Films / Filmes da Mostra
Direção: Todd Haynes
Roteiro: Todd Haynes, baseado em estória de Todd Haynes e James Lyons
Produção: Christine Vachon
Música: Carter Burwell e Radiohead
Direção de Fotografia: Maryse Alberti
Desenho de Produção: Christopher Hobbs
Direção de Arte: Andrew Munro
Figurino: Sandy Powell
Edição: James Lyons

Elenco Jonathan Rhys-Meyers (Brian Slade)
Ewan McGregor (Curt Wild)
Christian Bale (Arthur Stuart)
Toni Collette (Mandy Slade)
Eddie Izzard (Jerry Devine)
Emily Woof (Shannon)
Michael Feast (Cecil)
Janet McTeer (Narradora - voz)
Luke Morgan Oliver (Oscar Wilde - 8 anos)
Osheen Jones (Jack Fairy - 7 anos)
Micko Westmoreland (Jack Fairy)
Don Fellows (Lou)
Ganiat Kasumu (Mary)
Ray Shel (Murray)
Alastair Cumming (Tommy Stone)

Sinopse Em 1971, o glam rock invade o mundo da música britânica, provocando uma verdadeira revolução, não apenas na música mas também nos costumes da sociedade. O ícone do movimento é Brian Slade (Jonathan Rhys-Meyers), roqueiro que leva garotas e rapazes a pintarem as unhas, usarem batom e explorarem sua sexualidade. Incapaz de lidar com a fama adquirida, Brian forja sua própria morte, com a farsa sendo descoberta logo depois. Anos mais tarde, um jornalista inglês (Christian Bale) começa a investigar seu desaparecimento. ==================================================================

Consegue me ouvir Major Tom?

Vander Colombo

“When you growing up in a small town

Bad skin, bad eyes, gay and fatty

People look at you funny”

Lou Reed

“Tudo o que reluz é gay” dizem em certo ponto as manchetes nos jornais em Velvet Goldmine de Todd Haynes. É preciso dizer em primeiro lugar que o filme tenta traçar o percurso do abalo causado pelo chamado Glam Rock, leia-se: David Bowie (Ziggy Stardust and The Spiders From Mars), Iggy Pop (The Stooges), Lou Reed (Velvet Underground), Brian Ferry (Roxy Music) entre outros. Aliás Bowie seria a personagem principal do filme não fosse o fato de ele não ter gostado nada da história e nem mesmo ter liberado os direitos de uso de suas músicas para o filme, Reed, Pop e Ferry seguiram o caminho inverso.

Apesar dos nomes terem sidos quase todos trocados, é mais do que óbvio a caracterização de Jonhatan Rhys-Meyers como Bowie, e Ewan McGregor como uma mistura de Iggy Pop com Lou Reed pendendo visualmente mais para o primeiro.

O estudo de época do filme de Haynes beira a perfeição, seja na direção de arte seja na discussão social de uma época que transformou sexualidade em objeto de consumo desde então. “Hoje eles são gays assim como na década passada a moda era ter um disco do Led Zeppelin em baixo do braço” diz um músico numa fase mockumentário dentro do filme, completado pelo personagem de McGregor, “eles se dizem gays, mas não podem transar como gays, tentam, mas não conseguem”.

O fator da época nem mesmo era a homossexualidade em si, mas a libertação sexual em sua totalidade, uma espécie de upgrade do que já havia feito os hippies anos antes. A bissexualidade ou o termo mais tarde cunhado como pan-sexualidade seria mais indicado para a busca da época (uma coisa tipo, “Ei baby, vá dar uma volta no lado selvagem”), não que isso fosse novidade, porém se intensificou junto com a maior praga do rock n’ roll atemporal, o marketing.

Tirando isso, a busca é a mesma do rock desde quando nasceu: o sexo. Seja ele como for. E nesse ponto o Glam Rock é a fase mais erótica e fascinante desde a primeira rebolada de Elvis. E as drogas. É lógico, tinham as drogas para completar a tríade, agora já mais garantidas como matéria-prima de canções desde que Velvet Underground compôs letras sobre heroína enquanto os Beatles ainda faziam baladas românticas (o que mudou após Revolver como todos sabem) ajudando a nascer o movimento punk.

Dentro da trajetória da trama do filme, nos dias atuais, um jornalista britânico (Christhian Bale) é incumbido de descobrir o paradeiro de astro do Glam que desaparecera após forjar a própria morte, dentro da investigação jornalística a lá Cidadão Kane, os flash-backs nos jogam direto a uma jornada de movimentos de sexualidade desde Oscar Wilde até a era dos Mods Dândis, revelando não só a arte como a hipocrisia do jogo de compra-e-venda de modismos em forma de bonecos e souvenires de seus artistas preferidos.

Hipocrisia mais viva do que nunca, seja no representa a MTV, seja de Britney Spears a t.A.t.u. e é justamente esse o gosto amargo que o filme deixa transparecer ao seu final. O comercialismo continua firme, porém sem um pingo da genialidade que já teve. Numa transmissão radiofônica repleta de chios, veementemente ignorada no local, toca baixinho 2 H.B. do Roxy Music como que querendo um contato de evocação de seu monstros sagrados para que levantem voltando ao underground fazer aquele tipo de barulho que todos esperam que seja feito. Imagem não é nada...

Controle Terrestre para Major Tom

Pegue suas pílulas de proteínas e coloque seu capacete

Controle Terrestre para Major Tom

Começando contagem regressiva e motores ligados

Checar ignição e que Deus esteja com você

Esse é o Controle Terrestre para Major Tom

Você realmente teve sucesso

E os jornais querem saber que tipo de camisetas que você usa

Agora é hora de sair da cápsula

Se você tiver coragem

Aqui é Major Tom para Controle Terrestre

Estou dando um passo pra fora da porta

E estou flutuando no jeito mais peculiar

E as estrelas parecem muito diferentes hoje

Daqui

Estou sentado num pedaço de lata

Bem acima do mundo

A Terra é azul

e não há nada que eu possa fazer

Porém eu ultrapassei cem mil milhas

Estou me sentindo bem calmo

E eu acho que minha nave espacial sabe onde ir

Diga pra minha mulher que eu a amo muito

Ela sabe

Controle Terrestre para Major Tom

Seu circuito pifou

Há algo errado

Consegue me ouvir Major Tom?

Consegue me...

Aqui estou eu flutuando em volta de pedaço de lata

Bem acima da lua

A Terra é azul...

e não há nada que eu possa fazer[1]

O filme Velvet Goldmine será exibido neste sábado dia 04/10 no SESC Cineclube Silenzio.

A entrada é gratuita.

[1] Space Oddity (David Bowie)

2008-09-24T12:35:00.003-03:00

Neste sábado dia 27/09 às 19:30h
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

Título Original: Festen / Celebration

Gênero: Drama

Origem/Ano: DIN/1998

Duração: 105 min

Direção: Thomas Vinterberg

Elenco:

Ulrich Thomsen... Henning Moritzen... Thomas Bo Larsen... Paprika Steen... Birthe Neumann... Trine Dyrholm... Helle Dolleris... Therese Glahn... Klaus Bondam... Bjarne Henriksen... Gbatokai Dakinah... Lasse Lunderskov... Lars Brygmann... Lene Laub Oksen... Linda Laursen...

Christian Klingenfeldt Faderen Michael Helene Moderen / Mother Pia Mette Michelle Toastmasteren Kokken / Cook Gbatokai Onklen / Uncle Receptionisten Søsteren / Sister Birthe

Sinopse: Durante o aniversário de 60 anos do patriarca dos Klingenfelt é organizada uma grande festa para seus parentes num hotel de luxo. Um grande escândalo se anuncia em pleno banquete, quando seu filho mais velho resolve acusá-lo de abuso sexual na infância.

20/09 - O Homem Elefante (David Lynch)

2008-09-16T13:50:00.004-03:00

Neste sábado dia 20/09 às 19:30
No SESC Cineclube Silenzio
Entrada Gratuita

Uma assustadora aberração de circo, John Merrick (John Hurt - Hellboy, Dogville, Harry Potter e a Pedra Filosofal) é rotineiramente humilhado por seu mestre Bytes (Freddie Jones - Firefox, Duna, Erik o Viking). Mas Frederick Treeves, um famoso cirurgião (Anthony Hopkins - Alexandre, A Máscara do Zorro, O Silêncio dos Inocentes), fica fascinado por aquele personagem grotesco e o leva para o hospital em que trabalha. Fora daquele ambiente hostil, o médico vai descobrir que, a despeito de sua aparência incomum, Merrick é um ser humano sensível, inteligente e gentil.

O diretor David Lynch (Duna, Veludo Azul, A Estrada Perdida) usa a história verdadeira da vida de John Merrick para explorar o profundo desespero de uma alma que inspira fascinação e ao mesmo tempo repulsa. Um filme poderoso, merecedor do status de obra de arte, vencedor de muitos prêmios, incluindo indicações para 8 Oscar®.

Gênero	Drama
Atores	Anthony Hopkins, John Hurt, Anne Bancroft, John Gielgud, Wendy Hiller, Freddie Jones, Michael Elphick, Hannah Gordon, Helen Ryan, John Standing,
Direção	David Lynch,
Idioma	Inglês,
Legendas	Português
Ano de produção	1980
País de produção	Estados Unidos, Inglaterra,
Duração	124 min.

Para ler o texto de Laysmara, acesse os comentários

13/09 - Izo (Takashi Miike)

2008-09-08T19:04:00.004-03:00

Neste sábado dia 13/09 às 19:30
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

IZO de Takashi Miike
“Amor é uma palavra; uma palavra não é necessariamente acompanhada com a natureza fundamental de seu significado”.

Bernardo Krivochein (Rio)

Coitada da violência, um sentimento absolutamente natural para os seres vivos, mas demonizada em absoluto pela filosofia deixa-disso da sociedade conformista mela-cueca. Arnaldo Jabor já havia escrito um ensaio brilhante sobre o verdadeiro significado do “Basta!” que estampava os lençóis dependurados nas janelas da classe média carioca, oprimida pela violência urbana, mas só até onde ela a atinge, veja só. Coitada da violência porque ela é o que é, existe exatamente para causar o rebú que causa, mas é rejeitada, excluída, tida como algo a ser eliminado.

Pois o samurai em “Izo” é exatamente isso: a personificação não só da violência, mas de tudo aquilo inaceitável e revoltante numa sociedade. Em cima desse personagem principal, o diretor mais prolífico da atualidade, Takashi Miike (tão produtivo que fica difícil até para os fãs se manterem atualizados com sua filmografia), se joga com a cara e a coragem, faz seu filme mais arriscado e pessoal, entrando em sua nova fase enquanto artista.

Eu sei que vivo falando do sujeito, uma introdução – com todo respeito – ao diretor é tão dispensável quanto é repetitiva, mas no caso particular de “Izo”, faz-se necessária (sem contar que eu quero e está acabado). Miike ganhou adoração (e náusea) mundial enfiando o pé na proverbial jaca cinematográfica, transformando-se no grande nome da Hyperviolence (se você exige tradução do termo... na boa, amigo: se mata). Entre jatos de sangue arterial, Miike se mostrava um exímio contador de histórias inusitadas através de ângulos idem, com a agilidade de um moleque de 5 anos com açúcar União até os cornos. Seja em “Fudoh”, no primeiro “Dead or Alive ou no elogio à miscigenação de “The City of Lost Souls” (... o filme tem um protagonista brasileiro e metade dos diálogos em português! Nunca ter sido lançado comercialmente aqui é um ultraje, sem contar que vale só pela hilária cena de briga de galo), Miike era um diretor rebelde, inconseqüente, bêbado e absolutamente fascinante. Mas, assim como acontece com qualquer um, Miike teve que crescer. Sua puberdade diretorial apareceria no completo descaso à continuidade narrativa do segundo episódio de “Dead or Alive” (por sinal, o melhor) e na realização de duas das suas obras mais importantes, “Ichi the Killer” (que um amigo chama de “O Poderoso Chefão vai à um clube S&M”) e “O Teste Final”, onde já ensaiava suas alfinetadas à sociedade japonesa, mas ainda de maneira descontraída.

Tendo que pôr comida na mesa, Miike também ensaiava seus passinhos num cinema mais comercial, como é o caso de “Zebraman” e “One missed call”, sendo até bem sucedido no campo, mas ao custo de uma assinatura mais forte. Deve ser aí que algum fusível queimou. “Gozu”, onde o diretor abandona voluntariamente o que lhe restava de aceitável comercialmente, seria uma tentativa um tanto forçada de se estabelecer enquanto autor, filme um tanto laborioso e indeciso para seu próprio azar que dividiu seus seguidores, mas foi ignorado por completo quando exibido em Cannes (uma frustração que o diretor fez questão de fazer pública no site do filme). Eu, por exemplo, não gostei – e não gosto ainda - de “Gozu”, mas não me sinto mal por isso (e por fazer pública também o quanto “Gozu” me decepcionou), pois a rejeição à “Gozu” gerou “Izo”, a mais nova obra-prima de Takashi Miike, um filme forte o bastante para figurar junto a todas as outras e que se destaca pela sua singularidade.

Desde o começo, “Izo” mostra a que veio: utilizando imagens de arquivo e originais, Miike coloca em paralelo o nascimento e morte do personagem principal (interpretado brilhantemente pelo artista plástico Kazuya Nakayama). Ao juntar as duas pontas da passagem do personagem pelo planeta, o diretor as iguala e segue adiante para igualar geração e destruição, prazer e dor, a beleza e o horror, tudo isso numa inesquecível seqüência de montagem de imagens reaproveitadas. No momento que o personagem já viveu e já morreu, resta apenas sua essência que, por convenção, é um conceito etéreo que não conhece limites. Se, como Einstein afirmou, o tempo não existe, resta a Izo mostrar a que veio através das épocas. E isso tudo acontece antes do título do filme.

Porque, se você quer saber, o filme não tem história. Superficialmente, Izo seria um samurai da época feudal (de que outra época poderia ser) com o poder de viajar no tempo, pois precisa assassinar os governantes que, por acaso, só existirão no futuro (“Highlander” japonês? Nem tanto). Assim, por onde passa, Izo deixa um rastro de picadinho humano. Mas o filme não pode e não quer ser entendido dessa maneira. Miike não deixa. “Izo” é a ilustração de uma tese de Miike, além de um mergulho de cabeça no subconsciente perturbado do diretor que obviamente estava lidando com sentimentos de angústia e deslocamento. Onde quer que passe, e qualquer seja a época em que esteja, Izo é constantemente perseguido por ser apenas aquilo que ele é. Izo não escolheu ser um “Magic Bullet” humano, ele nasceu assim. O conturbado estado de espírito do personagem é pontuado pelas performances de canções, digamos, folk-góticas na voz trovejante do cantor japonês Tomokawa Kazuki (maltrata esse violão, Kazuki!). Minhas suspeitas de que o filme traz consigo a tal frustração de ser desconsiderado num dos maiores festivais de cinema do mundo fica claro quando Izo surge dentro de um julgamento e acaba sendo condenado.

“Izo” não é para ser assistido como um filme convencional. “Izo” é, mais do que nenhum filme jamais foi, a reprodução fiel de um sonho intenso, até os mínimos detalhes estéticos, reproduzidos com uma sensibilidade assustadora. Vamos para o prático: uma vez eu sonhei que estava numa sala de embarque de um aeroporto que, mesmo que fosse o interior de uma das 57 escolas onde estudei, eu sabia que era um aeroporto. Enfim, ao tentar embarcar no avião (como é que cheguei lá fora?...), a aeromoça disse que eu não poderia embarcar, já que eu não tinha um biquíni amarelo (estou dispensando a psicanálise desse detalhe), o que dentro do sonho fez o mais completo sentido. Desci da escada de embarque, fui para o hangar, onde havia a passagem para um shopping qualquer (na realidade, era o Barra Shopping, ou se parecia com tal). Só sei que quando cheguei, o sonho mudou de prioridade, da qual não me lembro no momento e acabou esqueci como.

Essa é o fator de entretenimento a ser encontrado em “Izo”: deitar o filme no divã e analisá-lo, suas simbologias, seus significados. A lógica, no filme de Miike, foi afugentada pela janela; é a conexão de idéias e de possíveis sentidos (embora pouca coisa seja ambígua de fato) que segura nossa atenção e, nesse quesito, o filme é altamente participativo com a platéia. E mesmo quem não está muito afim de sair para brincar, pode se divertir com o delicioso fio subconsciente da narrativa, onde o personagem sai de um frame de 1865 e cai no presente (ou futuro, se você interpretar dessa forma), só para de lá, encontrar uma passagem para o além e parar na Guerra de Onin. Um momento clássico de sonho se encontra quando Izo mergulha num lago, afunda e acaba saindo pela superfície de outro lago, no lado oposto do mundo, caindo diretamente num casamento, filmado de cabeça para baixo. Tanto esse despojamento quanto a quantidade de sangue cenográfico derramado nos remetem a Alejandro Jodorowsky e seu faroeste cult “El Topo”.

A higienização da arte com o intuito de se ganhar mais lucro, uma vez que mais branda a censura, maior o público a ser atingido, já sacrificou muita gente bamba e, sendo o diretor que é, Miike é uma das vítimas mais óbvias. É na arte que a violência humana pode ser melhor “desabafada” – se alguém é influenciado por aquilo que vê, a culpa não seria da imbecilidade de quem viu? (ao contrário do que a cultura litigiosa quer nos convencer?) – e agora querem destruir o parquinho onde ela podia dar suas corridinhas. Somando seu protesto a sua descontração com a unidade narrativa, Miike resolve exorcizar muitos de seus dissabores, botando o samurai para executar yuppies, criancinhas fofas, esses pobres coitados dos espectadores incautos, políticos (MUITOS políticos – os vilões, aliás, só se preocupam com Izo pela má influência que ele causaria em seus “financiadores”), além de uma infinda declaração de truísmos por quase todos os personagens, o que é imediatamente associável com os últimos filmes de Godard (o que já é outra discussão). A crítica a auto-indulgência, ao cinismo das gerações atuais e especialmente ao “politicamente correto” encontra-se altamente explícita na cena da escola, onde Miike põe crianças de 8 anos dizendo coisas como: “Amor é uma palavra; uma palavra não é necessariamente acompanhada com a natureza fundamental de seu significado”, e meu preferido “Nação é um delírio maléfico só existente nas mentes humanas; uma noção imaginária de falsidade que existe apenas para controlar e governar pessoas que instintivamente se aglomeram em bandos.” Nada sutil, mas nossa época hipócrita não consegue mais arcar com lá muita sutileza. Se o cerne da obra mantém-se aberto à interpretação, o mesmo não se pode dizer às posições pessoais do diretor.

O filme tem sua faceta política facilmente reconhecível, uma vez que cada vez que a violência contra Izo acaba gerando ainda mais violência vinda de Izo (e não é necessário nenhum gênio para traduzir isso para os nossos tempos e situação mundial), um ciclo infinito de guerra (Miike inclusive põe o personagem correndo pelas curvas de um símbolo gigante de infinito, como se ilustrando no quadro-negro para aquele aluno que não entende de maneira nenhuma o problema), mas sinto que o incômodo do filme é principalmente existencialista. O que o filme tem de Nietzche e o lado negativo do existencialismo não é brincadeira. Talvez Miike seja um psicopata em potencial, mas auto-diagnosticado, encontrou no cinema onde trabalhar essa sua faceta socialmente inaceitável, mas artisticamente louvável. Talvez ele tema pelo futuro de todos quando a violência cênica for eliminada. Tudo o que Izo quer é reconhecimento divino, assim como todos que reconhecem Izo sabem que a solução é simplesmente não ficar no caminho dele.

É claro que o filme é para poucos, que é necessário um bocado de sais minerais para a sessão de mais de duas horas de um filme, no mínimo, experimental. Mas só um pouquinho de disposição e boa vontade (além de uma porção de cautela) servem de chave para a descoberta de um filme, sinceramente, foda até dar coice. É uma das obras mais reflexivas, inconformadas e puramente bizarras já produzidas no cinema, vão demorar décadas até que “Izo” seja descoberto e analisado como merece. Takashi Miike entra na idade adulta. Longa vida a Takashi Miike.

(coisa esquisita, acabei de perceber que esqueci como o filme termina)

"“Izo” Japão, 2004. 128 mins. Direção: Takashi Miike. Estrelando: Kazuya Nakayama, Takeshi Kitano, Renji Ishibashi, Kenichi Endo, Ken Ogata.

06 e 07/09 - FUGU 2

2008-09-03T00:29:00.002-03:00

FUGU 2

Esperamos todos lá. Terá Halley Hoop, Marquinho Trumpete & Trio, Valter Mazzo, vários artistas plásticos, Leandra Vagliatti, Maho, a estréia do curta Lili Marlene e muitas outras atrações.

23/08 - Para Sempre Lilya (Lukas Moodysson)

2008-08-21T11:48:00.002-03:00

Neste Sábado Dia 16/08 às 19:30h
No SESC Cineclube Silenzio
ENTRADA GRATUITA

Lilyia é uma garota de 16 anos. Seu único amigo é o garoto Volodja. Eles moram numa vila pobre na Estônia, fantasiando sobre uma vida melhor. Certo dia, Lilya se apaixona por Andrej. Ele está indo para a Suécia e convida Lilya para ir com ele e iniciar uma vida nova.

Título Original	Lilja 4-ever
Atores	Oksana Akinshina, Artiom Bogucharski, Elina Benenson, Liliya Shinkaryova, Pavel Ponomaryov, Tomas Neumann, Lyubov Agapova, Tõnu Kark, Anastasia Bedredinova, Nikolai Bentsler,
Direção	Lukas Moodysson,
Idioma	Russo, Sueco, Inglês
Legendas	Português, Inglês, Espanhol,
Ano de produção	2002
País de produção	Suécia,
Duração	109 min.

Longe das raízes

Vander Colombo

" E talvez esteja aí toda a diferença; talvez toda a sabedoria, toda verdade e toda sinceridade estejam apenas contidas naquele inapreciável momento em que ultrapassamos o limiar do invisível."

Joseph Conrad

Suécia e Dinamarca são países vizinhos e difíceis de diferenciar vistos de fora.

Lição de geografia dada para tentar explicar um pouco do trabalho do diretor Lukas Moodysson. Lukas é sueco, conterrâneo de um dos maiores cineastas de todos os tempos, Ingmar Bergman que dizia que não poupava de sua fúria diretores que mexessem demais a câmera, sendo um deles ninguém mais ninguém menos que Hitchcock.

O conterrâneo Moodysson parece não ter ligado muito para os conselhos do mestre, visto que faz todos os seus filmes com a câmera no ombro, e é essa degeneração que é explicada pela geografia, pois além das línguas parecidas e da troca cultural, na época que Moodysson estava começando, no país vizinho já se davam os primeiros passos de uma manifesto que mais tarde ficou conhecido como Dogma 95, no qual a principal regra era justamente esse trabalho manual de operação de câmera. É lógico que Moodysson não seguiu todos os preceitos do Dogma 95, pois usa e abusa da trilha sonora e vez ou outra pede uma fotografia mais elaborada. Mas enfim, a intenção dos dinamarqueses está toda lá.

No mesmo ano do primeiro filme do manifesto, Moodysson lança seu primeiro grande sucesso, Amigas de Colégio, introduzindo com ele, seus temas caros e recorrentes: adolescência, sexualidade e a batalha do etéreo versus o mundano. Porém o sucesso de público e crítica veio em 2002 com o filme Para Sempre Lilya. Com esse Lukas conseguiu atingir o caráter humano que nenhum filme sobre drogas, prostituição infantil e afins, havia conseguido. Além de levar a fama de um Cristhiane F aos moldes de Lars Von Trier. Lilya ganha de Christiane não só no quesito cinematografia, mas em abordagem psicológica, embora, não faltem exageros também comuns ao diretor de Dogville.

Outro traço similar entre Von Trier e Moodysson são suas personagens femininas enfrentando com as armas que podem o mundo falocêntrico que as cerca, auxiliadas por uma espécie de distorção da realidade em prol de suas sensibilidades aguçadas, que aos poucos se convertem numa coragem crua no dado momento de reação inadiável.

A sinopse é como outras tantas, mas tente não se enganar com ela. Num país da ex-União Soviética dilacerado economicamente pelo pós-Gorbachev, Lilya uma menina de 16 anos sonha em mudar de vida radicalmente. Os pais se mudam e não dão mais notícias, deixando-a com uma tia pra lá de bizarra e obrigando-a a recorrer a métodos escusos para conseguir sobreviver.

No caso de Para Sempre Lilya o etéreo também está presente, contudo muito mais como ironia do que como representação espiritualista, Mais como antônimo de toda e qualquer desgraça do que como sinônimo de redenção.

E é com esse conto da carochinha moderno que o diretor consegue dar a sua visão crítica do mundo adulto em sua melhor forma. Usando metáforas simples e acessíveis ele consegue atingir a um público consideravelmente maior que seus outros trabalhos, deixando inclusive um moral da história bem desenhado: no começo da fita Lilya rasga a foto de sua mãe; arrependida ela a cola novamente apenas para mais tarde queima-la por completo. Ou seja, a importância magnânima dos pequenos atos que após tomados se tornam irreversíveis, pois queiram seus anjos da guarda ou não, o máximo que lhes podem ser é parte dessa consciência inaudível...

Certo e errado são caminhos vizinhos e difíceis de diferenciar vistos de fora.

O filme Para Sempre Lilya será exibido neste sábado dia 23/08 às 19:30h no SESC Cineclube Silenzio. A entrada é gratuita